Барокко виды: Главные Виды Искусства Барокко — Антемион

Содержание

Искусствоед.ру – сетевой ресурс о культуре и искусстве

Просмотры: 110 104

В основу стиля Барокко, сложившегося в Италии в конце 16 века, легли религиозные идеи Контрреформации: на Тридентском Соборе было объявлено, что человек может воспринять догматы христианства только через мистическое озарение. Основные черты барочных произведений — эмоциональная выразительность, насыщенность движением, сложность композиционных решений, — создавали у зрителя особый духовный настрой, способствующий единению с Богом. Слово «barocco» в переводе с итальянского означает «странный», «причудливый». Оно появилось позднее, как знак удивления буйной фантазией мастеров этого стиля. Вёльфлин впервые определил барокко как живописное, настроенное на глубину, склонное к открытой форме, предпочитающее атектоническое начало и некоторую неясность.

Для художественной культуры барокко характерно стремление найти красоту в дисгармонии, асимметрии, нескончаемом взаимопереходе форм.

Здесь намеренно используются диспропорция, диссонанс и другие нарушения порядка. Главная цель, которую ставит перед собой художник: ошеломить, потрясти воображение зрителя. Эта цель достигается через передачу страстного движения, напряженной борьбы противоположностей, резких контрастов. Текучесть формы обеспечивается специальными художественными приемами: сложными метафорами, аллегориями, анаморфозами (неожиданными переходами одного образа в другой).

В переводе с итальянского «barocco» означает «причудливый», «странный». В средневековой логике этим термином обозначились неправильные умозаключения, логические ошибки. В Португалии аналогичным словом «perola barroca» назывался жемчуг неправильной (овальной) формы. В искусстве его стали применять к различным отступлениям от классических канонов. Первые элементы нового стиля обнаружились в Италии в конце XVI в. Родоначальник – один из «титанов» Возрождения – Микеланджело Буонаротти. В его поздних творениях: скульптурах, олицетворяющих времена суток капеллы Медичи и фреске с изображением Страшного Суда в Сикстинской капелле, — появляются мотивы мучительной скорби и безысходности.

Огромная суггестивная сила барокко стала причиной того, что оно было взято на вооружение католической церковью в движении контрреформации. Его распространению способствовал Орден иезуитов («Общество Иисуса»), которому была поручена борьба с протестантизмом всеми доступными средствами. Иезуитские учебные заведения – коллегии и семинарии – монополизировали образование в католических странах. Благодаря их поддержке идеология и практика барокко утвердилась в странах Западной Европы, не принявших Реформацию: Италии, Испании, Франции, Австрии, Польше и т.д.

Барокко — первый подлинно общеевропейский язык искусства и архитектуры. Возникнув в рамках католицизма, он не может быть вписан в рамки одной конфессии, одной политической системы или одной национальной культуры.

Архитектура

Фасад Мадерна

Италия

В архитектуре наибольшего внимания заслуживают итальянские мастера — ведь именно в их творчестве ярче всего проявилась главная особенность барокко — стремление к созданию ансамбля.

Центром архитектурного барокко стал г. Рим. Первым сооружением этого стиля была церковь Иль-Джезу (1575), построенная архитекторами Джакомо да Виньоли и Джакомо делла Порта для Ордена иезуитов. На фасаде двухъярусного здания использованы волюты, дающие эффект плавного перехода от верхнего яруса к нижнему.

Интерьер характеризуется обилием декоративных деталей, которые задерживают внимание вошедшего в храм, предваряя его восприятие свода. Таким образом символизируется трудность перехода от земной суеты и страстей к небесному блаженству.

Особенно выделяются Карло Мадерна (1556 — 1629), Франческо Борромини (1599 — 1667) и Джан Лоренцо Бернини (1598 — 1680). Именно Карло Мадерна мы обязаны сегодняшним видом Собора святого Петра. К зданию, которое возвёл Микеланджело, Мадерна добавил гигантский притвор с западной стороны. Таим образом, весь храм стал базиликой и приобрёл стремительное движение к подкупольному пространству, где находится могила святого Петра.

Работы по преобразованию Собора продолжил Бернини. С 1657 по 1663 он создавал своё гениальное творение — площадь перед Собором. Это была главная площадь католического мира. Множество паломников из разных стран собиралось и собирается на ней в праздничные

Площадь собора св. Петра

дни, чтобы увидеть Папу. По сути, это не одна, а две площади. Первая, в виде трапеции, сформирована галереями, отходящими от Собора. Второй Бернини придал форму овала. Она обращена к городу и охвачена колоннадами, как двумя огромными руками. В симметричных точках овала расположены фонтаны, а между ними стоит обелиск, помогающий ориентироваться на огромной площади. Это не просто слова — хорошо известен своеобразный эффект площади святого Петра: проходя по ней посетитель периодически ощущает утрату координат. Кроме того, в средокрестии Собора Бернини установил огромный киворий высотой 29 м. Этот колосс на 4-х витых колоннах с имитацией в бронзе тяжёлых складок драпировок потрясает всякого вошедшего в храм.

Церковь Сан-Карло алле Куатро Фонтане

Абсолютным шедевром Франческо Борромини является церковь Сан-Карло алле Куатро Фонтане. Для неё был выделен маленький и неудобный участок на перекрёстке. По углам небольшого храма расположены 4 фонтана (отсюда название церкви). Стена фасада то прогибается, то выступает вперёд, и кажется, что плотная масса камня меняется на глазах. Композиция основана на продуманных сочетаниях выпуклых и вогнутых поверхностей стен, а всё вместе создаёт динамичный, живописный, и вместе с тем логичный образ.

Самые зрелые черты стиль барокко приобрел у Франческо Борромини (церковь Сан-Карло у четырех фонтанов) и Лоренцо Бернини (церковь Сант-Андреа аль Квиринале). Сложились его отличительные признаки:

1. Овальная форма планов и вообще преобладание криволинейных очертаний в зданиях: полукруглый фронтон, волнообразный фасад, характерная декоративная деталь – волюта, соединяющая верхний и нижний ярусы здания.
2. Витые колонны, создающие эффект напряженного движения:
3. Фонтаны, как часть архитектурного ансамбля.
4. Перегруженность декоративными деталями: пышной лепниной, скульптурами и росписями.

5. Иллюзионистские эффекты, создающие впечатление бесконечного пространства, размывающие грань между кажущимся и реальным и др.

Все эти детали имеют символическое значение. Криволинейные очертания, волюты и волнообразность символизируют преображение материи. Тяжелое каменное сооружение как бы на глазах меняет свой облик. Сложная символика выражена и в отдельных архитектурных памятниках. Пространство перед церковью св. Петра в Риме имеет очертания ключа, напоминая о том, что церковь есть ключ к Царствию Небесному.

Испания

Говоря об архитектуре Испании того времени, следует отметить, что в ней сочетались средневековые черты с барочными. Особенно ярко новые веяния отразились в декоративном оформлении зданий — так называемый стиль «платереско» («чеканный», «узорчатый»). В этом стиле строили Мартин

Собор Святого Иакова в Сантьяго-де-Компостела

Виллареаль, Алонсо Кано и другие.

На рубеже 17 — 18 веков ясность и ювелирная точность платереско сменились предельной насыщенностью декоративными деталями и пристрастием к обильным украшениям на фасадах. По имени архитектора Хосе Бенито Чурригера и его братьев (1665 — 1725) этот стиль получил название «чурригереск». Созданный ими стилевой вариант характеризовался особо пышным декором фасада. Он оказал влияние на латиноамериканскую архитектуру (мексиканское «ультрабарокко»). В этом стиле был построен знаменитый собор города Сантьяго де Компостела. Его архитектор, Фернандо Касас де Новоа, использовал такое обильное декоративное убранство, что башни храма кажутся скульптурными произведениями, а не архитектурными.

Франция

Во Франции барокко более строгое, без излишеств. Вершиной французской архитектуры 17 века стал Версаль. Кроме Версаля, следует отметить например, собор Дома Инвалидов,

построенный Жюлем-Ардуэном Мансаром (1646 — 1708).

Этот храм стал важной высотной точкой Парижа — его тяжеловесный купол значительно изменил панораму города.

Англия

Великобритания в 17 веке была одним из крупнейших центров европейской архитектуры. Однако большинство английских построек было связано не с барокко, а с иным стилем — классицизмом. Поэтому здесь присутствуют те произведения английских архитекторов, где присутствуют отдельные черты барокко. Безусловно, это Собор святого Павла, построенный Кристофером Реном (1632 — 1723). Нужда в строительстве храма возникла после того, как пожар 1666 года уничтожил старый лондонский собор. Главный фасад нового собора украшен двухъярусным портиком со сдвоенными колоннами и фронтоном. Как и в соборе святого Петра в Риме, в здании Рена есть внутренний купол и внешний, рассчитанный на вид издалека. Чтобы удержать тяжёлый фонарь купола, архитектор придумал конусовидную конструкцию из кирпича между внутренним и внешним куполом. Для 18 века это было уникальное инженерное решение.

Важным произведением английского барокко стала Библиотека Рэдклиффа (архитектор Джеймс Гиббс, 1682 — 1754). Она представляет собой 16-гранное в плане сооружение, окружённое колоннадой из сдвоенных колонн.

Дворцово-парковые ансамбли представлены таким памятником английской архитектуры 17 века, как Вилла в Чизвике, созданная Ричардом Бойлом Бёрлингтоном (1695 — 1753), аристократом и покровителем искусств. Вилла повторяет «Ротонду» Палладио, но её фасады не одинаковы. Садовый фасад украшен портиком с фронтоном, к которым ведёт очень сложная и изысканная лестница. Парк, созданный для этого ансамбля Уильямом Кентом (1684 — 1748) — один из первых образцов английского пейзажного парка.

Германия и Австрия

В Германии и Австрии архитектурное барокко развивалось почти так же бурно, как и в Италии. Здесь необходимо отметить пышные экстатические творения братьев Азам, Фишера фон Эрлаха и других немецких и австрийских авторов. Дворцово-парковые ансамбли представлены таким замечательным ансамблем, как Епископская резиденция в Вюрцбурге (архитектор Бальтазар Нойман, 1687 — 1753). Это огромный дворец с 4-мя внутренними дворами и очень длинным фасадом — 167 м. В интерьере дворца поражает монументальная и изысканная парадная лестница. И жемчужина немецкого барокко — Цвингер, парадная резиденция курфюрстов Саксонии. Ее создал Маттиас Даниэль Пеппельман (1662 — 1736). Ансамбль возвели у крепостного рва, где в Средние века держали диких животных (по-немецки zwinger означает «клетка для зверей»). Обширный двор, где проходили празднества, с трёх сторон окружён двухэтажными павильонами, соединёнными галереями с застеклёнными арками.

Скульптура

В скульптуре внимание прежде всего привлекают итальянские и испанские архитекторы. Барочным скульптором «par excellence» является Джан Лоренцо Бернини. Широко известно его утверждение: «Я сделал мрамор гибким как воск». И действительно, такие работы, как «Экстаз святой Терезы», «Аполлон и Дафна», «Похищение Прозерпины» свидетельствуют о виртуозном мастерстве скульптора. Он шлифует мрамор, заставляет его играть множеством бликов, передавать тончайшие нюансы: фактуру ткани, блеск глаз. В скульптурах Бернини достигают апогея динамика и дематериализация формы. Он мог соединять в одном произведении мраморы разных цветов и позолоченную бронзу, достигая полной иллюзорности и предельной живописности скульптуры.

В отличие от Бернини и других итальянских скульпторов, воплощавших в своих произведениях некую идею, испанские мастера стремились прежде всего к правдоподобию до мельчайших деталей. В их работах натурализм сочетался со страстностью. Очень распространённой скульптурной формой в Испании было «пасо» (шаг, шествие) — группа, представляющая библейскую сцену. Пасо носили по городу во время праздников. Их делали из дерева, раскрашивали, на фигуры надевали одежду и приклеивали настоящие волосы. Наиболее известные мастера — Грегорио Эрнандес (около 1576 — 1636) и Педро де Мена (1628 — 1688), — соединяют в своё творчестве жёсткий натурализм и обострённую эмоциональность в передаче духовного состояния.

Французские скульпторы, творившие в условиях абсолютизма, любили эффектные, выразительные решения, монументальные формы, торжественность и пышность. Франсуа Жирардон (1628 — 1715), ученик Бернини, подчёркивает в своих работах не драматизм, а красивую композицию. Антуан Куазево (1640 — 1720) даёт психологически тонкие характеристики героев, используя такие барочные приёмы, как неожиданные позы, свободные движения, пышные одеяния. Французская скульптура 17 века соединяет в себе черты классицизма и барокко.

Поражает своей пышностью скульптура немецкого барокко. Основные её черты — парадность, экспрессивность, избыточность деталей, тонкое чувство материала и усложнённость композиций. Всё это как нельзя лучше проявилось в произведениях Андреаса Шлютера.

Живопись

В живописи, гравюре и рисунке Европы были большие и малые мастера барокко. В Италии это болонские академисты — братья Карраччи, Гверчино, Сальватор Роза, — верившие в существование вечного идеала красоты. Их взгляды легли в основу академической системы образования. Известен сонет, приписывающийся Агостино Карраччи, в котором излагаются взгляды академистов:

Кто стремится и хочет стать хорошим живописцем,
Тот пусть вооружится рисунком Рима,
Движением и светотенью венецианцев
И ломбардской сдержанностью колорита,
Манеру мощную возьмёт от Микеланджело,
От Тициана передачу натуры,
Чистоту и величие Корреджиева стиля
И строгую уравновешенность Рафаэля.
(Пер. А. Аристовой и С. Всеволожского)

Во Франции мы видим явление крестьянских живописцев — Луи Ленена (1600/1610 — 1648) и Жоржа де Ла Тура (ум. 1652). Картины Ленена продуманны и упорядочены по композиции, строги по колориту. Его герои полны достоинства и внутреннего покоя. На полотнах Ла Тура, благодаря особому художественному приёму (противопоставлению тёмного пространства и потока яркого света) заурядные события превращаются в мистические и таинственные. Представлено и творчество Клода Лоррена (1600 — 1682) — основоположника французского пейзажа.

Из немецких живописцев того времени самым талантливым был Адам Эльсхеймер (1578 — 1610). Его творчество повлияло на многих современников яркостью колорита, оригинальным подходом к сюжетам, смелыми экспериментами в изображении света.

Но на первый план в области живописи и графики выходят мастера Испании, Голландии и Фландрии. В Испании 17 век называется золотым веком живописи. И действительно, именно в эту эпоху жили и творили такие замечательные художники, как Хусепе Рибера (1591 — 1652), разрабатывавший тему страданий и мученичества; Франсиско Сурбаран (1598 — 1664), чьи многочисленные циклы из жизни святых погружают нас в тайну мистического общения человека с Богом, и Бартоломео Эстебан Мурильо (1618 — 1682) — деликатный и искренний художник, своими образами вызывавший умиление у современников.

Но, конечно, самым выдающимся испанским живописцем эпохи барокко был великий Диего Родригес де Сильва Веласкес (1599 — 1610). В искусстве достижения иллюзии реальности он следовал испанской национальной традиции. Но, в отличие от вышеперечисленных художников, иллюзорность у Веласкеса принимает не религиозно-мистический, а простонародно-бытовой оттенок. Его поздние картины поражают мастерством композиции и невиданной ранее свободой пространственного мышления и обыгрывания темы «картина в картине». Мастер писал блестящие психологические портреты, с поразительной глубиной проникая во внутренний мир своих героев. Папа Иннокентий Десятый назвал свой портрет кисти Веласкеса «слишком правдивым». Парадные портреты художника скорее скрывают внутреннюю жизнь героя, демонстрируя аристократическую сдержанность. Но именно они позволяют во всём блеске развернуть живописное мастерство — зритель обнаруживает головокружительные заливки жидкой краски, непринуждённые движения кисти, вольно переливающиеся открытые цвета, смелые опыты с цветными тенями… В своём творчестве Веласкес соединяет духовное богатство с редким техническим мастерством.

Во Фландрии, где господствовали испанцы, и в Голландии, которая стала независимой, тоже наблюдался небывалый расцвет изобразительного искусства. «Королём художников и художником королей» называли фламандца Питера Пауля Рубенса (1577 — 1640). В его антверпенской мастерской безостановочно кипела работа — среди заказчиков Рубенса числились не только дворяне и богатые купцы, но и королева Франции Мария Медичи, испанская королева Изабелла… Он подарил миру около 3 тысяч картин и множество рисунков. Работам художника свойственны необыкновенная любовь к жизни и энтузиазм. Они отличаются удивительной изобретательностью построений, сверканием ярких тонов.

Рубенс достиг изумительного совершенства и лёгкости в искусстве владения кистью — и этим поразил романтиков. Вот как написал о нём Эжен Делакруа: «…он подражал Микеланджело, но так, как только он умел подражать! Он был переполнен величайшими образцами, но следовал тому началу, которое носил в самом себе… Он имеет смелость быть самим собой… Я дуюсь на него порой! Я ссорюсь с ним из-за его грузных форм, из-за недостатка изысканности и изящества… Но даже промахи Рубенса не ослабляют впечатления от его картин, до того они проникнуты совершенно особым свойством истинной смелости… Рубенс гораздо родственнее Гомеру, чем многие античные мастера. У него был сходный гений по самому своему духу…». Художник ценил живописную ткань тициановской традиции, но разрушал то величавое равновесие, которое было ей свойственно. Освоив всё неповторимое богатство итальянской живописи, художник, по сути, основал фламандскую школу.

Славу этой школы составляют утончённые портреты Антониса Ван Дейка (1599 — 1641), простодушно-грубоватые жанровые произведения Якоба Йорданса (1593 — 1678), горькие и язвительные картины Адриана Браувера (1605/1606 — 1638).

Вершиной голландской школы было творчество Рембрандта Харменса ван Рейна (1606 — 1669). О его произведениях Эжен Делакруа сказал: «правда — самое прекрасное и редкое на свете». Можно утверждать, что Рембрандт был самым необыкновенным и загадочным мастером 17 века. В молодости он быстро приобрёл репутацию вундеркинда. За свои портреты, в которых он схватывал выражения лиц, погружая их трепетную светотень, Рембрандт получал неплохие гонорары. Художник счастливо женился, у него появились ученики. Однако уже в начале 1640-х годов его живопись становится слишком необычной для голландских бюргеров. Вот как пишет Эжен Фромантен о картине Рембрандта «Ночной дозор»: «Рембрандту надо было изобразить роту вооружённых людей. Не было ничего проще, как показать нам, что они собираются делать; но он выразил это так небрежно, что даже в самом Амстердаме до сих пор ничего не могут понять. Он должен был придать фигурам портретное сходство — оно сомнительно; изобразить характерные костюмы — они большей частью фантастичны; создать живописный эффект — но этот эффект оказался таков, что картина стала неразрешимой загадкой. Страна, место, время действия, сюжет, люди, вещи — всё исчезло в бурной фантасмагории палитры… странности фигур, и их внезапное появление среди полной темноты — всё это случайный результат эффекта, задуманного вопреки правдоподобию, осуществлённого вопреки всякой логике». Недоумение вызывала слишком вольная трактовка портретов и нехарактерный для Голландии интерес к евангельским и библейским сюжетам. Умирает любимая жена Рембрандта, исчезают ученики и заказчики, тает богатство. В конце концов, художник становится банкротом и переселяется в еврейское гетто. В работах последних лет Рембрандт достигает величайшей человечности. Его «ночной мир» пронизан, по выражению Вальтера Беньямина, «непредумышленными смыслами». Картины мастера изобилуют световыми вспышками и потоками, полупрозрачными сгустками и материальными уплотнениями, принимающими вид предметов и фигур. Художник создаёт яркие и запоминающиеся образы стариков, женщин, влюблённых, отцов и детей. Великий Рембрандт умер в 1669 году, пережив своего сына Титуса. Мистические свойства материи его произведений, несомненно, составляют ещё одну грань стиля барокко.

Что касается офортов Рембрандта, то в них оригинальность индивидуального стиля художника проявилась еще сильнее. Свет и тень создают в них поистине ирреальное, мистическое ощущение. Штрихи образуют густую трепещущую сетку и вибрируют серебристым или золотистым цветом, создавая особую атмосферу.

Вторым великим голландским художником эпохи барокко был Ян Вермеер Делфтский (1632 — 1675). Перед его работами у зрителя возникает смешанное чувство восхищения и беспомощности. Всё ясно и понятно, но, в то же время, драгоценная световоздушная живопись Вермеера придаёт художественному пространству загадочный оттенок. Если у Рембрандта материальность исчезает и растворяется в свете и тьме, то у Вермеера, наоборот, подчёркивается материальная значимость каждого предмета. Писал Вермеер очень медленно и оставил потомкам всего около 40 картин. Он тщательно накладывал мелкие плотные мазки, завершая работу лёгкими, незаметными касаниями кисти.

Кроме этих двух гигантов нидерландской живописи в эпоху барокко в Голландии жили и творили Фрас Халс и так называемые «малые голландцы»: Герард Доу (1613 — 1675), Адриан ван Остаде (1610 — 1685), Габриэль Метсю (1629 — 1667), Герард Терборх (1617 — 1681) и другие. Они разрабатывали различные вариации бытового жанра, причём особенно любимой темой стали сцены «весёлого общества». «Малые голландцы» были наблюдательны, порой остроумны и умели нравиться публике.

Гравюра

В гравюре представлены, в основном, работы тех же мастеров, что и в живописи. Но есть там и такие мастера, которые стали известны именно как гравёры. Таков, например, голландец Херкюлес Сегерс (1589/1590 — 1638), много сделавший для развития техники цветного офорта. Каждый его лист — неповторимое, оригинальное произведение искусства. В ночных пейзажах яркие блики образуют на тёмном фоне сложный рисунок и создают иллюзию серебристого мерцания лунного света, а грандиозные ландшафты вызывают космические ассоциации.

Французский рисовальщик и гравёр Жак Калло (1592 — 1635) узнал славу ещё при жизни — его эстампы печатались большими тиражами и продавались во многих городах Европы. Замечательно изображал Калло массовые сцены со множеством мелких фигурок. В общую композицию прихотливо вплетаются бродяги, комедианты, разбойники. На одной из гравюр Калло Тенирс насчитал 1138 человек, 45 лошадей и 137 собак. Дерзкий гротесковый стиль художника отразился не только в изобразительном искусстве, но и в литературе — одна из самых знаменитых книг Э. Т. — А. Гофмана называется «Фантазии в стиле Калло». На весь мир прославился своими гравюрами и рисунками Джованни Батиста Пиранези (1720 — 1778). Он создал сотни гравюр с видами Рима, проектов воображаемых зданий и архитектурных фантазий. Самой загадочной была его серия «Тюрьмы» — одни видели в них изображение ада, другие — наркотические галлюцинации, третьи — театральные декорации. Сам себя Пиранези называл «венецианским архитектором», и хотя за всю свою жизнь он построил всего лишь одно здание, заслуживает такого названия, ибо оказался родоначальником «бумажной архитектуры». Фантастические образы гравёра оказали столь большое влияние на князя В. Одоевского, что тот вывел образ Пиранези в своём романе «Русские ночи», и вложил тому в уста следующую тираду: «Духи, мною порождённые преследуют меня: там огромный свод обхватывает меня в свои объятия, здесь башни гонятся за мною, шагая верстами… иногда заключают они меня в мои собственные темницы, опускают в бездонные колодцы, куют меня в собственные мои цепи».

Отдельного упоминания заслуживают и такие гравёры и рисовальщики, как Абрахам Блумарт (1564 — 1651), Стефано делла Белла (1610 — 1664), Карел Дюжарден (1622 — 1678), Жорж Лаллеман (ок.1580 — ок.1640).

Заключение

Барокко экспериментально и исполнено здравого смысла. Оно мистично и рационально, иронично и серьёзно, виртуозно и естественно. Нередко встречаются в барочной архитектуре опыты с пространством и движением, массой и цветом. Излишества и декоративная преизбыточность интерьеров дворцов может вызвать упрёки строгих эстетов. В парках и садах встречаются нам павильоны с причудами, зловещие гроты, фонтаны со странными фигурами и чудищами. Барокко регулярно сбивает зрителя с толку. В архитектуре и скульптуре, живописи и гравюре, глаз перестаёт различать большое и малое, далёкое и близкое, лёгкое и тяжёлое, материальное и имматериальное. Барочные мастера словно специально подчёркивают неуловимость и неподотчётность человеку стихий и субстанций, несоразмерность мира и людей.

Искусство барокко тесно связано с рождением принципиально нового способа мышления, с появлением научной картины мира. Именно в 17 веке Галилей демонстрирует изумлённой общественности виды новых небес, с их многочисленными звёздами и планетами. Это и подобные ему открытия приводят не только к ужасу и трепету перед затерянностью человека в просторах космоса, но и к желанию осваивать новые пространства. После Кеплера у астрономов не возникало сомнений в подвластности физической вселенной измерению, и та же картина наблюдалась в биологии, географии, химии, медицине.

Стиль барокко — порождение нестабильной эпохи. Художники расшатывают прежние представления о том, каким должно быть искусство. Они осваивают новые темы и мотивы, способы выражения, хотят увидеть невидимое и запечатлеть невозможное. Как бы мы ни относились к искусству барокко, мы должны осознавать, что именно оно стало первым стилем Нового Времени. В нём — ключ к пониманию искусства дня сегодняшнего.

Д. Харман.

Вконтакте

Facebook

Twitter

Google+

LiveJournal

Одноклассники

Мой мир

`Типы сооружений в стиле барокко`

`Стиль барокко в архитектуре`

Определение 1

Барокко – это архитектурный стиль, широко распространенный в период XVI – XVII вв. Стиль появился в Италии в результате «усовершенствования» стиля Ренессанс, а также благодаря ослаблению влияния церкви и усилению новой научной философии. Стиль характерен монументальностью, динамичностью и оригинальностью форм.

Архитекторы периода барокко стремились создать эффект неожиданности. Они пренебрегали принятыми правилами построения планов и внедряли намеренное несоответствие между частями сооружений, создавали уникальные пластичные фасад, использовали крупные декоративные детали, а также игру света и тени.

Рисунок 1. Палаццо Кариньяно. Автор24 — интернет-биржа студенческих работ

Впечатления от зданий, построенных в этот период иногда создают ощущения того, что несущая конструкция играет второстепенную роль в сравнении с декоративным убранством. Такой эффект был достигнут с помощью объемных фасадов, которые «раздували» здание. Для барокко характерны сложные формы, сплетения, а также плавный переход из одной плоскости в другую.

Во внешнем декоре зданий наблюдалось чередование выпуклых и вогнутых поверхностей, что создавало ощущение глубоких объемов, порождало пространственные иллюзии. Следует заметить, что одним из главных составляющих стиля барокко был архитектурный ордер. В классической архитектуре ордерная система служила базовым модулем, который может многократно повторяться, образовывая ярусы сооружения и отделяя друг от друга этажи. Изменение какой-либо части здания могло бы повлечь нарушение целостности архитектурного ансамбля, сформированного при помощи ордерной системы. Однако, именно такое явление стимулировало архитекторов вмешиваться в привычные пропорции и изменять классические элементы ордера.

`Готовые работы на аналогичную тему`

В архитектуре барокко применялись самые разные ордеры: от строгого дорического до праздничного коринфского. Элементы ордера скручивали, растягивали и накладывали друг на друга. Ритм и пропорции элементов декора также претерпевал значительные изменения в сравнении с архитектурой Ренессанса.

Чем больше изменений архитекторы производили с ордерами, тем менее значимым в масштабах здания становился ордер. В декоре здания начинают принимать активное участие фронтоны, волюты и колонны. Большое значение в этот период начинает приобретать скульптура: ее применяют как во внешнем декоре, так и во внутреннем. Многоплановые скульптурные композиции имеют в архитектуре барокко ярко выраженную динамику. Статуи, изображающие людей, олицетворяют состояние напряженности и драматизма.

Примечательно, что в большинстве зданий эпохи барокко скульптурные и декоративные детали нередко спорят с несущей конструкцией и оттягивают внимание на себя. Большое количество лепных деталей, прерывистость антаблементов и крупные скульптурные композиции производили впечатление «деления» ордера (например, в архитектурном ансамбле Цвингер).

Замечание 1

Для интерьеров барокко характерна утрированная и показная роскошь. Интересно, что при этом стиль сохраняет в себе такую важную черту, как симметрия.

`Типы зданий`

Как уже отмечалось выше, для любого сооружения, построенного в период господства стиля барокко, характерна усложненность планов. Интерьеры таких зданий также весьма сложны: они состоят из пластичных и изгибающихся линий и поверхностей.

Архитектурные формы барокко являлись своеобразным логическим продолжением итальянскому ренессансу, однако, превзошли его по сложности, многообразию и живописности. Фасады зданий были раскрепованы и в обязательном порядке включали в себя профилированные карнизы, колоссальные колонны (нередко в несколько этажей), пилястры и полуколонны.

Фасады часто декорировались различными скульптурными деталями, что придавало всему зданию ритм и движение. Ни одна из деталей здесь не является самостоятельной, как это было в архитектуре Возрождения. Все элементы несущих конструкций и декора подчиняются единому архитектурному замыслу.

Рисунок 2. Церковь Сан-Карло алле Куатро Фонтане. Автор24 — интернет-биржа студенческих работ

Самыми известными архитектурными ансамблями в стиле барокко являются:

Петергоф, Россия;
Шенбрунн, Австрия;
Аранхуэс, Испания;
Версаль, Франция.

`Примеры зданий`

Одним из самых интересных памятников архитектуры барокко является Палаццо Кариньяно (архитектор – Гварино Гварини, 1679 г). Архитектор этого ансамбля, также носивший псевдоним Камилло Гуарини, помимо архитектуры увлекался математикой, и теологией. Большинство его сооружений располагается в Турине. На проектах и книгах архитектора учились специалисты позднего барокко в Северной Италии и Центральной Европе.

Общая структура здания напоминает типичное палаццо эпохи Ренессанса (замкнутый план и призматический объем). Однако, в эту «классическую» схему были внесены некоторые изменения: центральная часть корпуса напоминает вставку в основной объем.

Церковь Сан-Карло алле Куатро Фонтане в Риме (1667 г.) также интересна с точки зрения архитектуры барокко. Архитектором религиозного сооружения был Франческо Борромини (настоящее имя – Франческо Кастелли).

Данная церковь располагается на пересечении городских улиц, что побудило архитектора использовать в конструкции здания три модуля, которые имели все шансы стать частями абсолютно разных сооружений.

Первый модуль здания – волнообразный нижний объем, второй – середина церкви, созданная по традиционному плану греческого креста. Третий ярус церкви представляет собой овальный купол. Фасад здания дополняется сложными рельефами, которые формируют ощущение наложенной аппликации.

Каждый из ярусов фасада сформирован благодаря ордерам. Карниз церкви, как и многих других светских построек того времени, имеет волнообразную форму. Фасад практически лишен гладких поверхностей. Пространство между колоннами вмещает в себя несколько скульптурных групп с небольшими фонтанами.

`Барокко в архитектуре`

В конце эпохи Возрождения зародился новый стиль – барокко – эмоциональный, витиеватый, с большим количеством декоративных элементов. Название появилось не сразу и формулировалось на основании наблюдений за развитием нового стиля. Барокко в архитектуре характеризовали странность, причудливость, вычурность, излишество. Именно такое впечатление складывалось у людей того времени.

_

Новый на тот момент стиль проявлялся постепенно, начиная с Италии, и в течение двух столетий завоевал всю европейскую часть, даже обосновался в архитектуре Центральной и Южной Америки. А возник он с лёгкой руки Лоренцо Бернини (1598–1680), итальянского архитектора, который был очень разносторонней личностью, увлекался многими видами искусств, что и нашло отражение в барокко.

Дома больших размеров, украшенные колоннами, изобилие декоративных элементов, статуй… На публику, привыкшую к строгим чертам позднего Возрождения, барокко производило неожиданное и сильное впечатление. Возникнув в конце XVI, в течение двух веков – с XVII по XVIII – барокко в архитектуре захватил добрую половину мира.

_

Пышная отделка, внезапная смена геометрических элементов, использование световых эффектов были сродни революции в архитектуре. Одним из ярких примеров служит церковь Иль-Джезу в Ватикане, построенная Джакомо Бароцци да Виньола. Большой вклад в развитие стиля внёс и знаменитый Микеланджело Буонаротти, на исходе своей карьеры приняв участие в постройке Ватикана вместе с Виньола.

Отличительные черты стиля: большое количество скульптур, орнаментов, массивные колонны и глубокие тона золотого, розового и голубого оттенков. Эти принципы украшения использовались внутри и снаружи зданий, как в интерьере, так и в экстерьере. Впервые появились широкие улицы и проспекты, пришедшие на смену тесным средневековым переулкам. На стенах стали использоваться большие и яркие живописные панно, вместо тусклых гобеленов, украшавших холодные стены замков.

Барокко в ландшафтном дизайне

Одним из самых знаменитых зданий, построенных в стиле барокко во Франции, стал Версальский дворец с его знаменитым парковым комплексом. Сложные очертания и изобилие геометрических элементов использовались и в ландшафтном дизайне – при организации садов и скверов, потайных уголков для пикантных свиданий и встреч. Августейшие особы всего мира вдохновлялись Версалем, следуя моде, с воодушевлением брались за реорганизацию своих резиденций и постройку новых дворцов.

Пышное и непредсказуемое барокко, однако же, характеризовалось единством архитектуры и прилегающих территорий, в данном случае парков. Они логически продолжают друг друга и немыслимы по отдельности. Парковые ансамбли изобиловали фонтанами и водоёмами, здесь же осуществлялись театральные постановки на открытом воздухе, запускались великолепные фейерверки, атмосфера играла яркими красками, унося зрителей в мир фантазий, чему немало способствовала окружающая архитектура и причудливо оформленные деревья.

Разновидности стиля барокко

В каждой покорённой стране этот стиль преобразовывался в нечто новое и самобытное, порождая вариации с дополнениями, к примеру, в виде ярко окрашенных стен и новых, ещё более неожиданных архитектурных элементов. Самыми крупными ответвлениями позднего барокко стали Сицилийское, Московское, Казацкое, Виленское, Сарматское.

_

С распространением барокко в архитектуре в каждом из городов появлялись и новые черты, присущие конкретному месту, которые становились опознавательными знаками – как отпечатки пальцев у человека, хотя архитектура в целом сохраняла стилевое единство. Одним из таких знаковых архитектурных объектов того времени у нас стал Петергоф, а самой знаменитой фигурой – Франческо Растрелли.

В конце концов, после множества трансформаций, барокко плавно перетекло в более утончённую версию, получившую название «стиль рококо».

`Мировые архитектурные шедевры в ЭТНОМИРе`

`Калужская область, Боровский район, деревня Петров`

 
_Выставка макетов «Мировые архитектурные шедевры» представляет гостям этнографического парка миниатюрные копии зданий, находящихся под охраной ЮНЕСКО. Экспозиция расположена на втором этаже павильона Улицы Мира «Вокруг Света», над площадью Дружбы народов. Здесь вы можете полюбоваться пирамидами Гизы и японским дворцом Химэдзи, китайским «запретным городом» Гугун и ацтекской пирамидой Солнца, баварским замком Нойшванштайн и французским Шато-Шамбор, индийским храмом Махабодхи и римским Пантеоном, лондонским Тауэром и Московским Кремлём. Миниатюрные макеты сделаны из высококачественного полимерного материала китайскими мастерами по специальному заказу ЭТНОМИРа.
Приезжайте знакомиться с миром в ЭТНОМИР!
Основные признаки барокко / Архитектура барокко / История архитектуры / www.Arhitekto.ru
Архитектура барокко
Основными признаками барокко считается повышенная и подчеркнутая монументальность, представительность,
которые в какой-то мере являлись самодовлеющими качествами и достигались нередко искусственными средствами.
Стремясь создать впечатление монументальности, репрезентативности, живописности, динамики форм, вызвать
ощущение необычности и неожиданности при восприятии архитектуры, зодчие исходят прежде всего из внешнего
пластического облика сооружений (имея в виду и экстерьер и интерьер).
В барокко отмечались:
усложненность объемов и пространства, взаимное пересечение различных геометрических форм,
преобладание сложных криволинейных форм при определении планов и фасадов сооружений,
чередование выпуклых и вогнутых линий и плоскостей
активное применение скульптурных и архитектурно-декоративных мотивов;
неравномерное распределение архитектурных средств;
создание богатой игры светотени, цветовых контрастов
динамичность архитектурных масс.

На смену рациональности Ренессанса приходит иррациональность. Зодчие барокко явно предпочитают декоративное
начало архитектуры. Барокко в архитектуре характеризуется приоритетом, преобладанием пластического начала
над началом тектоническим. Стремясь создать необычный, повышенно-эмоциональный архитектурный эффект, они
зачастую пренебрегали логикой построений планов, допускали несоответствия между внешними объемами и
внутренней структурой сооружения. Конструкция в творческом сознании архитекторов в большинстве случаев как
бы отодвигается на второй план, являясь необходимым, но все же вспомогательным средством, призванным
«обеспечивать», поддерживать ту или иную пластическую форму. Конструкция обычно прикрывается декоративными
частями, которые нередко создают превратное представление о ней. Фасады имеют целью как бы «заслонить»
основную часть здания. Ордера рассматриваются лишь как элементы, декорирующие сооружения. В архитектуре
этого времени приобретают распространение явно деконструктивные части — разорванные: фронтоны, волюты и т.
п.
Иллюзия движения пространства и формы, так называемый динамический принцип, является главным признаком радикального направления в барокко. Одновременно с ним большое развитие получает и барокко классического направления.
Классическое направление исходит из традиций ренессанса, идеи которого развиваются теоретически и
практически. Несмотря на различия, оба направления едины в стремлении создавать огромные пространства,
оказывающие сильное воздействие на человеческие чувства и эмоции. В течение XVII и XVIII вв. оба направления
существуют параллельно, с некоторым преобладанием того или иного в отдельных странах.
В определяющих сооружениях XVII — первой половины XVIII века особое развитие и разнообразие приобретают
монументальная скульптура и монументальная живопись, а также различные виды прикладного искусства. В
живописи и скульптуре верх берут начала декоративные, преобладают многоплановые композиции с чертами сильно
выраженной динамики, с усложненными генерализирующими линиями, ритмами. При изображении человека
предпочитаются состояния напряжения, экзальтации, повышенного драматизма. Синтез искусств в барокко носил
иной, чем раньше, в эпоху Ренессанса, характер. В архитектуре Возрождения для произведений живописи и
скульптуры отводились определенные места — часть стены, плафон и т. д. Произведения искусства, ограничиваясь
отведенным им участком, гармонировали с архитектурой, дополняя и обогащая ее. В сооружениях барокко живопись
и скульптура «не укладываются» в определенные рамки, они выходят за их пределы, не подчиняются архитектуре и
стремятся как бы «перекричать» ее. Наблюдалось не мирное сотрудничество, а спор, борьба и противопоставление
друг другу отдельных видов искусств.
Читайте также:
Источники
Стиль Барокко, архитектурный стиль барокко
 
Стиль Барокко, архитектурный стиль Барокко (1650 – 1770 гг.)
Преобладающие и модные цвета
 Приглушенные пастельные тона; красный, розовый, белый, голубой с желтым акцентом.

Линии
 Причудливый выпукло — вогнутый асимметричный рисунок; в формах полуокружность, прямоугольник, овал; вертикальные линии колонн; выраженное горизонтальное членение в отделке домов.

Форма
 Сводчатая, куполообразная и прямоугольная; башни, балконы, эркеры.

Характерные элементы интерьера
 Стремление к величию и пышности в отделке квартир; массивные парадные лестницы; колонны, пилястры, скульптуры, лепнина и роспись, резной орнамент; взаимосвязь элементов оформления

Конструкции
 Контрастные, напряженные, динамичные; вычурные по фасаду и вместе с тем массивные и устойчивые.

Окна
 Полуциркульные и прямоугольные; с растительным декором по периметру.

Двери
 Арочные проемы с колоннами; растительный декор.

Возникновение стиля Барокко
 Архитектурный стиль барокко (итал. barocco, букв. — причудливый, странный) рождается в Италии и распространяется в большинстве европейских стран, приобретая в каждой свои особые национальные черты. Произведения барокко отличаются несоблюдением правил ренессансной гармонии ради более эмоционального взаимодействия со зрителем.
Историческая характеристика архитектурного стиля барокко
 В XVII в. активно развивались экономика и искусства. Особенно окрепли колониальные державы Атлантики — от Испании до Великобритании.
Франция считалась образцовой страной абсолютистских форм правления и практичной экономической политики.
В территориально раздробленной Италии благодаря движению Контрреформации Рим приобрел новое значение, а строительство культовых зданий получило сильный импульс. В этих условиях немецкие князья, начавшие новый этап строительства в конце XVII в., ориентировались, естественно, на иностранные образцы. Большое влияние на них оказывал французский абсолютизм Людовика XIV. Каждый феодал — как ни мала была принадлежавшая ему территория — копировал свою резиденцию с Версаля. И каждый католический епископ или аббат надеялся, возводя в подражание Риму, куполообразную церковь упрочить влияние контрреформаторских тенденций.
Несмотря на то, что европейская архитектура XVII — XVIII вв. не представляется единообразной, будучи динамичной в Италии, серьезной во Франции, она объединена общим понятием «барокко».
Княжеские замки и культовые здания были первоочередными объектами строительства, олицетворявшими сопротивление Реформации, города — резиденции и монастыри — необходимыми дополнениями. Значительных общественных зданий зарождающийся класс буржуазии еще не строил. Среди протестантских культовых зданий Фрауэнкирхе в Дрездене осталась практически единственным выдающимся произведением.
Влияние Просвещения начало ощущаться в 1730 — х годах и сказалось в усилении интимности сооружений. Любимым местом пребывания князей стали маленькие элегантные замки в окружении парков. Асимметричный рокайльный орнамент этого периода дал название стилю — «рококо».

Строительные особенности архитектурного стиля барокко
 В эпоху Возрождения строительству городов уделяется особое внимание. Буржуазию не удовлетворяют кривые тесные средневековые переулки. Возникает идея города центричного типа, отражающего синтез рациональных форм римских военных лагерей с естественно развивавшимися концентрическими структурами городов средневековья.
В эпоху стиля барокко иллюзорно глубинная трактовка стены продолжается реальными объемными композициями в виде скульптурных групп, фонтанов (палаццо Поли с фонтаном Треви). Не случаен поэтому интерес зодчих Возрождения к работе над городскими ансамблями и решительный поворот к пониманию архитектуры как организованной среды. Но в феодальную эпоху масштаб реализации градостроительных начинаний редко выходил за пределы ансамблей дворцовых или соборных площадей.
О. Шуази, характеризуя эпоху Возрождения, писал, что превосходство Ренессанса заключается в том, что он не знал видов искусства, независимых одно от другого, но знал только единое искусство, в котором сливаются все способы выражения прекрасного.
Характерные черты архитектурного стиля барокко
 Стиль барокко воплощает новые представления о вечной изменчивости мира. Отличается грандиозностью, пышностью и динамикой, пристрастием к эффектным зрелищам, сильным контрастам масштабов и ритмов, материалов и фактур, света и тени, совмещением иллюзорного и реального.
Благодаря причудливой пластике фасадов, сложным криволинейным планам и очертаниям дворцы и церкви барокко приобретают живописность и динамичность. Они как бы вливаются в окружающее пространство.
Интерьеры стиля барокко украшаются многоцветной скульптурой, лепкой, резьбой; зеркала и росписи иллюзорно расширяют пространство, а живопись плафонов создает иллюзию разверзшихся сводов.
В живописи и скульптуре преобладают декоративные многоплановые композиции религиозного, мифологического или аллегорического характера, парадные портреты. При изображении человека предпочитаются состояния напряжения, экзальтации, повышенного драматизма. В живописи большое значение приобретает эмоциональное, ритмичное и колористическое единство целого, часто непринужденная свобода мазка; в скульптуре — живописная текучесть формы, богатство аспектов и впечатлений.
Типы сооружений архитектурного стиля барокко
 Для барокко характерны усложненность планов, пышность интерьеров с неожиданными пространственными и световыми эффектами, обилие кривых, пластично изгибающихся линий и поверхностей; ясности классических форм противопоставляется изощренность в формообразовании. В архитектуре широко используются живопись, скульптура, окрашенные поверхности стен.
Формы архитектурного стиля барокко наследовали итальянскому Ренессансу, однако превзошли его по сложности, многообразию и живописности. Сильно раскрепованные фасады с профилированными карнизами, с колоссальными на несколько этажей колоннами, полу колоннами и пилястрами, роскошными скульптурными деталями, часто колеблющимися от выпуклого к вогнутому, придают самому сооружению движение и ритм. Ни одна деталь не является самостоятельной, как это было в период Ренессанса. Все подчинено общему архитектурному замыслу, к которому относятся оформление и украшение интерьеров, а также садово-парковой и городской архитектурной среды.

 
Информация:
 


Искусство барокко

 
 Искусство барокко стало художественным отражением противоречий раннебуржуазного периода европейской культуры. Подчеркивая сложную атмосферу времени, барокко соединило в себе, казалось бы, несоединимые элементы. Основные черты барокко отразили его дуализм. Черты мистики, фантастичности, повышенной экспресии, декоративность удивительно уживаются в нем с трезвостью и рассудочностью, с истинно бюргерской деловитостью. Стиль барокко легко узнается в очертаниях архитектурных сооружений, в изысканной вычурности линий в скульптуре и живописи, в пышности, декоративности, аллегоричности фасадов и интерьеров зданий, в напыщенности языка прозы и поэзии. Совмещая иллюзорное и реальное, барокко является в целом стилем, который отражал преимущественно систему ценностей, идеалов и вкусов дворянства, в первую очередь той его части, которая сохраняла еще известные прогрессивные тенденции. Поэтому этот стиль развивался прежде всего в тех странах, где сохраняли свои позиции феодальные отношения и католическая церковь. Церковное искусство, собственно и было типичным «барокко» в узком смысле этого термина. Зародившись на рубеже XVI-XVII вв. в Италии, барокко распространяется затем в Испании, Португалии, Фландрии, а позднее в Австрии, Англии, Германии, Скандинавии, Новом Свете и России. Динамизм барочной скульптуры, противостоящей спокойствию и мощи скульптуры Ренессанса, вызывает чувство восхищения своей легкостью. Для искусства барокко важно было не столько тело как таковое, сколько его движение. Если у скульпторов классической Греции и у художников Возрождения боги, пусть идеализированные, изображались как люди, то у мастеров барокко боги оставались богами («Аполлон и Дафна», «Экстаз св. Терезы» Л. Бернини). В архитектуре барокко сохранялась масштабность и гармоничность сооружений, характерных для искусства Возрождения, но в то же время мастера барокко порывают со многими художественными традициями Ренессанса, с его гармоничностью и уравновешенными объемами. Более пышным становится архитектурный декор, усиливается пластическая выразительность. В парадных интерьерах архитектура сливается с многоцветной скульптурой, лепкой, резьбой; зеркала и росписи иллюзорно расширяют пространство, а плафонная живопись создает иллюзию разверзшихся сводов. Фасады зданий приобретают роскошную, причудливую пластику. Барокко тяготеет к ансамблю, к организации пространства: городские площади, дворцы, лестницы, фонтаны, парковые террасы, бассейны, городские и загородные резиденции строятся на принципе синтеза архитектуры и скульптуры, подчиняясь общему декоративному оформлению и архитектурному замыслу, придавая им пышный, парадный и изысканный вид. Таковы ансамбли Верхний Бельведер в Вене, лестницы на пл. Испании в Риме. В живописи преобладают виртуозные, декоративные композиции на религиозные, мифологические или аллегорические сюжеты и парадные портреты. Натюрморт и пейзаж, как самостоятельные жанры, равно как и жанр анималистический, дополняют картину развития изобразительных искусств эпохи. Барокко предпочитает живописное пятно, массу, светотеневые контрасты, с помощью которых и создается форма. Барочный стиль нарушает принципы линейной перспективы, разработке которого отдали столько сил и энергии художники раннего Возрождения, чтобы усилить глубинность, иллюзию ухода в бесконечность. Идеализация образов, безудержные гиперболы сочетаются в живописи барокко с бурной динамикой, оптическими эффектами, реальность — с фантазией, религиозная страсть — с подчеркнутой чувственностью. В Италии творили братья Карраччи, Л. Бернини, А. Маньяско, Дж. Б. Тьеполо, М. Караваджо, в Испании расцвет живописи барокко связан с именами Эль Греко и Б. Мурильо, некоторые черты барокко проступали в реалистической живописи X. де Риберы и Ф.Сурбарана. Во Фландрии рожденное революцией миропонимание внесло реалистические начала в творчество П. П. Рубенса, А. ван Дейка, Я. Йорданса. В Голландии реализм проступал сквозь барокко в творчестве Ф. Хальса, Рембрандта. В литературе искусство барокко вдохновлялось идеей разума, продолжая в этом направлении ренессансные традиции, но оно уже не верило в силу, в закономерность прогресса. Человек — песчинка в вихре истории, его жизнь полна трагических случайностей. Такова ведущая нить, в частности испанской барочной литературы, нашедшая выражение в лирике Л. Гонгоры, пьесах П. Кальдерона, итальянца Дж. Марино. Барочная литература построена на контрасте. Появляются реалистические произведения, описывающие новый «мир денег» («Буржуазный роман» А. Фюретьера). Получает развитие жанр литературной сказки (Ш. Перро). Возрождается басня (Ж. де Лафонтен).
В музыке барокко гораздо рельефнее и непосредственнее, чем в других видах искусства, сказывалось переплетение различных по своим истокам идейно-художественных принципов. Этот стиль в музыке отличается, с одной стороны, стремлением к глубокому отображению внутреннего мира человека, к драматизму и синтезу искусств (опера, оратория, кантата), с другой — к освобождению от союза со словом (развитие инструментальных жанров). В русле барокко зародился оперный жанр. Как и в литературе, барочный стиль в музыке отличается своей манерностью, «капризностью», витиеватостью (А. Вивальди). Он особенно ярко проявился в итальянской музыке (Дж. Габриели, М. А. Чести, Дж. Фрескобальди).

Время барокко — время взаимодействия различных видов искусства, когда «поэзия понималась как говорящая живопись, а живопись как немая поэзия». Это было время театрализованных церемоний, высокопарных од, витиеватых речей, аллегорий и гипербол, эмблем и метафор. Во всем жило иносказание.

Осознание несовершенства действительности, стремление противопоставить ей идеальный образ мира, соответствующий современным представлениям о разумном мироустройстве, вызвали к жизни рождение второй стилевой системы — классицизма.

 

 

 

 

 
что это такое, стиль картин, эпоха раннего в живописи и искусстве, примеры скульптуры, элементы художников, хаус
В переводе с итальянского языка, barocco – «странный, удивительный, причудливый». Стиль барокко зародился в период становления монархического строя правления в Италии. Он получил широкое применение в области изобразительного искусства, скульптуры, музыки и архитектуры. Его призванием стало прославление могущества церкви и аристократического общества того времени. Барокко смог выразить новое представление о безграничности и многообразии окружающего мира, его единстве и драматичной изменчивости, пробудил интерес к стихиям природы.
История возникновения барокко – новая эпоха в Европе на смену Возрождению
Именно в Италии на смену Высокого Возрождения возник барочный стиль (16-й век). Не смотря на тяжелое политическое положение страны, где господствовали иностранцы (испанцы и французы), Италия продолжает оставаться культурным центром Европы. В этот период итальянцы не могли позволить себе выстраивать новые шикарные замки (романские или готические, как он назывался ранее, по стилю) .
Появление барокко позволило создавать иллюзию богатства, обходясь без дорогостоящих материалов.
Активное развитие культуры началось по причине недостатка средств. Возведение шикарных палаццо было не по карману знати и представителям церковной власти, но они все же нуждались в подтверждении собственной состоятельности и мощи. Высшие сословия обратились за помощью к искусству – появившееся направление их возвышало и за счет этого набирало все большую популярность.
Витиеватость узоров и массивность дерева в стиле барокко
Черты и особенности стиля
Для направления барокко присущи контрастность образов и их динамичность, совмещение иллюзорных форм и реальности, великолепие композиций. В интерьерах и экстерьерах построек применяются скульптурные элементы, рустованные колонны, волюты и раскреповки, а также пилястры. Нередко можно было встретить развернутые колоннады значительных масштабов. Стиль барокко от маньеризма унаследовал тенденцию поражать воображение. Это можно наблюдать в сложных купольных формах, выполненных в виде многоярусных конструкций. К отличительным чертам также относится использование кариатид, атлантов и маскарон.
Тенденции вычурности и напыщенного богатства также можно проследить еще в стиле Викторианской эпохи.
Кариатиды, атланты и маскароны
Интерьер
В моду барочного интерьера широко входят необычные композиции ассиметричных рисунков декора, изображения вогнутых и выпуклых форм. Четко выражены вертикальные линии колон и членений горизонтального типа, что присуще еще и колониальному стилю.
Стиль барокко идеально сочетается с интерьером помещений значительного размера – многообразные украшения и мебельные гарнитуры занимают невероятно большое пространство комнаты.
На фото представлен один из ярчайших примеров интерьера в направлении барокко.
Интерьер в стиле барокко
Мебель
Мебель в стиле барокко – уникальное произведение искусства, поэтому она использовалась чаще всего для создания интерьерной композиции помещения. Мягкие гарнитуры (диваны, кресла с деревянными ножками, стулья) обивались дорогостоящими материалами насыщенных оттенков. Гигантские шкафы из дерева украшались резными гравировками и однотонными рисунками. Очень популярны были громадные кровати с нарядными навесами, с которых струились вниз красочные покрывала. Гостиным помещениям во времена барокко уделялось особое внимание – в шикарных залах принимали гостей и устраивали балы.
Мебель в стиле барокко
Оформление стен
В интерьере барокко использовалась настенная роспись. Высокие мраморные стены были покрыты крупными многоцветными изображениями, дополненными обильной позолотой и фресками на потолках. А картины невероятных размеров и обрамленные богатыми рамами (с позолотой или лепниной), довершали общую композицию невероятного великолепия.
Изображения на стенах в стиле барокко описывали сцены из мифологических сказаний.
Классическое представление барокко в современном интерьере
Оформление полов
Мраморный пол служил гармоничным контрастом общему интерьеру гигантских залов. Он оформлялся в виде плиток, расположенных в шахматном порядке. Цветовая палитра не отличалась особенным разнообразием – использовались однотонные цвета. На фото выше можно и просмотреть, как оформлялись полы в стиле барокко.
Живопись
К характерным особенностям становления живописи в барочный период относятся:
Броская цветовая палитра.
Динамичность композиции.
Пышность «плоских» форм.
Яркие примеры картин эпохи барокко можно наблюдать в творчестве Рубенса («Распятие», «Страшный суд», «Битва греков с амазонками») и Караваджо («Больной Вакх», «Отдых на пути в Египет», «Призвание апостола Матфея»).
“Страшный суд”, Рубенс
Архитектура и ее представители
Отличительными чертами архитектуры барокко стали текучесть криволинейных и сложных форм, а также невероятный размах стилистического пространства. Изобилие скульптурных творений декорируют фасады здания церквей и соборов.
Во многих странах стиль барокко в архитектуре получает огромную популярность. Только во Франции он был не настолько выражен – к барочным памятникам даже употребляется термин «классицизм».
Классицизм – это направление в искусстве (17-19 вв). Характеризуется возвращением к античному искусству и культуре, которая считалась идеальным образцом.
Неоценимый вклад в области архитектуры внесли:
Донато Браманте – основоположник барочного зодчества.
Джакомо Делла Порта, Карло Мадерна и Доменико Фонтана – архитекторы раннего периода барокко.
Франческо Брромини – представитель радикального зодчества.
Сантино Солари – создал первый барочный собор в Зальцбурге.
Архитектура барокко
Скульптура
Лоренцо Бернини
Органически присущей частью искусства барокко являлась скульптура. Самым знаменитым скульптором 17-го столетия был признан Лоренцо Бернини. Его наиболее популярные работы на мифологическую тематику:
Плутон (бог подземного царства), похищающий Прозерпину.
«Экстаз святой Терезы» – алтарная группа, расположенная в одном из храмов Рима.
Аполлон (бог света), преследующий нимфу Дафну, которая чудесным образом превращается в дерево.
На фото изображена скульптура в стиле барокко, выполненная из дерева. Именно этот материал преобладал при создании скульптур, а для большей реалистичности с хрустальной срезкой и стеклянными глазами.
Мода
Эпоха барокко развивается во времена правления Людовика XIV (2-я половина 17-го века), когда при дворе царил безукоризненный этикет. Законодателем модных тенденций в Европе была Франция, и другие страны строго следовали французским направлениям в моде.
Для европейских нарядов характерна невероятная пышность, дополненная многочисленными украшениями.
Модные веяния барокко
Платья прекрасных дам видоизменились – в отличие от эпохи Раннего Ренессанса они были на китовом усе. Наряд книзу юбки плавно расширялся, а сзади платья прикреплялся шлейф. Глубокий вырез декольте открывал плечи, а вошедшие в моду высокие прически покрывались косынками и чепчиками из тонкой ткани.
Мужчины носили длинные кафтаны, украшенные кружевами и красочными бантами. Высокие ботфорты носили исключительно во время военных походов или в полях. В гражданской же обстановке представители сильного пола носили туфли. Обувь украшалась аграфами (пряжки), но со временем более популярными стали банты.
Головы кавалеров покрываются элегантными париками, распускающимися кудрявыми локонами по плечам и торчащими вверх. Как женщины, так и их кавалеры стали использовать косметику в непомерном количестве. Лица и парики тщательно напудривались. Кроме того, появились мушки – они придавали яркий контраст невероятной белизне кожи.
Пример нарядов времени барокко можно наблюдать на фото.
 
Искусство: художественные картины в барочном стиле
И.С. Бах
В самом конце эпохи ренессанса появляется музыка барокко, которая становится предшественником культуры классицизма. Наблюдается противопоставление инструментов и голосов, солистов и хора, а также сочетание форм значительных масштабов. Возникают инструментальные жанры, а ведущее положение занимают опера, жанры кантаты и оратории.
Известные музыканты и композиторы:
Ч. Бернелли, Г. Рейтер, И.И. Фукс, Д. Фантини, У.Г. Руэ, И.Г. Вюлькен – знаменитые трубачи.
И.С. Бах, Ф. Джеминиани, Жан-Батист, А. Вивальли, С. Шейд – известные композиторы.
Человек
Люди эпохи барокко считали естественным поведением проявление бесцеремонности, дикого невежества и даже самодурства. Женщины придерживаются безукоризненной белизны кожи и очень дорожат ею. Они украшают свои головы замысловатыми прическами и появляются в высшем обществе в элегантных туфельках на невысоких каблучках.
Олицетворением мужского идеала становится “джентельмен” – образ спокойной, мягкого, уравновешенного мужчины. Усы и бороды теперь сбривают, напудривают парики, пользуются парфюмом. Споры между представителями сильного пола проявляются в дуэлях.
Именно во время барокко начинают появляться элегантные салфетки и вилки, что относится к изысканности столового этикета.
Бог представляется людям не как спаситель человеческих душ, а как Величайший Архитектор, сотворивший мир подобно часовому механизму.
В столицах европейских государств открываются научные сообщества и многочисленные Академии наук. Исаак Ньютон в 1689 году создает труд под названием “Математические начала натуральной философии”, а также открывает “Закон всемирного тяготения”. Карл Линнец публикует в 1735-м году известную работу по систематизации биологии “Система природы”. Галилей доказывает предположение о том, что Земля вращается вокруг Солнца. Начинается период открытия новых земель и парусники невероятных размеров путешествуют по просторам мировых океанов.
Символы литературы: искатели удивительных приключений и предприимчивые путешественники (Барон Мюнхаузен, Робинзон Крузо, Гулливер). Нормой в художественной лексике считаются иносказания.
Иллюстрация “Путешествия Гулливера”
Виды обоев для стен: как их правильно подобрать и как правильно поклеить.
Какими бывают современные серванты для гостиной читайте в этой статье.
Состав ламината: https://trendsdesign.ru/materialy/napolnye-pokrytiya/laminat/laminat-sostav-osnovnye-osobennosti-pokrytiya. html
Краткий видео-обзор на стиль Барокко
Выводы
Век барокко возник в 16-м столетии и приобрел широчайшую популярность на территории Западной и Восточной Европы. Этот период развития культуры и искусства принято считать предвестником победоносного шествия «цивилизации Запада». Производной стиля барокко считается рококо – более спокойный и утонченный стиль в интерьере на фоне своего предшественника. Так же читайте об архитектуре Ампир.
Рекомендуем также прочитать что это неоклассика.
 Искусство и архитектура барокко Обзор движения 
 Le debarquement de Marie de Médicis au port de Marseille le 3 ноября (ок.
 1622-1625) Художник: Питер Пауль Рубенс
 На этой картине изображено прибытие королевы Франции Марии де Медичи, одетый в великолепное серебро, в сопровождении великой герцогини Тосканской и герцогини Мантуанской, высаживается на красный парапет. Солдат в синем плаще с золотым узором  fleur-de-lis , обозначающим Францию, открывает руки, чтобы поприветствовать ее.Над ней мифологическая крылатая фигура, представляющая Славу двумя трубами, возвещает о ее прибытии, чтобы выйти замуж за короля Генриха IV. Диагональ красного парапета, идущего от золотого носа корабля, создает ощущение движения, а также разделяет картину на два разных мира; элегантный и изысканный мир благородства наверху и классическая мифологическая сцена внизу. Три греческие наяды, богини моря, обеспечивающие безопасное плавание, заполняют нижнюю часть кадра. Слева от них Нептун с седой бородой протягивает руку, чтобы успокоить море, а рядом с ним бог Фортуны прислоняется к лодке, управляя ею.Эти мифологические фигуры придают величие и аллегорическое значение прибытию королевы, но в то же время три обнаженных наяды своей динамичной чувственностью затмевают это событие.
 Мастерские композиции Рубенса, сочетающие богатство истории и аллегории с изображением характерных моментов в сценах визуального изобилия, пользовались большим спросом у знати. Беззастенчивая чувственность его полноразмерных обнаженных женщин также была новаторской, и настолько самобытной, что их до сих пор называют «Рубенесками».«Как писал искусствовед Марк Хадсон:« Он импортировал в Северную Европу протобарочную живопись Тициана и Микеланджело и твердый реализм Караваджо, соединив их в физически гигантском, чувственно перегруженном, торжествующем католическом искусстве ».
 Это было одно. из 24 картин, заказанных Марией Медичи в 1621 году после убийства ее мужа Генриха IV, чтобы создать цикл, увековечивающий ее жизнь. Она также могла быть мотивирована изображать свое законное положение как напряженность между правящими фракциями во Франции и «иностранная» королева привела к изгнанию из двора в 1617 году.Рубенса, самого известного художника Северной Европы, привлекли к участию в комиссии, поскольку она дала ему разрешение исследовать светский предмет, который он мог проинформировать с помощью аллегорических и мифологических трактовок. Историк искусства Роджер Авермаэте писал о работе: «Он окружил ее [Марию Медичи] таким обилием приспособлений, что в каждый момент она почти отодвигалась на задний план. Рассмотрим, например, , Высадка в Марселе , где все смотрят только на сладострастные наяды, в ущерб королеве, которую Франция принимает с распростертыми объятиями.«
 Работы Рубена оказали влияние на таких художников, как Веласкес, и информировали последующих художников рококо, включая Антуана Ватто и Франсуа Буше. Он также оказал влияние на Эжена Делакруа, Поля Сезанна и Пабло Пикассо. Хотя его пейзажи менее известны, его пейзажи также повлияли на Дж. М. У. Тернера, Джона. Констебль и Томас Гейнсборо. Как писал Марк Хадсон: «От Рембрандта, Ватто и Делакруа до Сезанна и Пикассо, чувственность Рубенеска прочно и глубоко пронизывает западное искусство». -Century Europe
 Джан Лоренцо Бернини, Кафедра Петри (или кафедра Св.Петра), позолоченная бронза, золото, дерево, витражи, 1647-53 гг. (Апсида базилики Святого Петра, Ватикан, Рим)
 Рим: от «Вавилонской блудницы» до блистательной невесты Христа 
 Когда Мартин Лютер прикрепил свои 95 тезисов к дверям Виттенбургского собора в 1517 году, протестуя против коррупции католической церкви, он инициировал движение, которое изменило религиозный, политический и художественный ландшафт Европы. В следующем столетии Европа будет в смятении, поскольку будут определены новые политические и религиозные границы, часто в результате кровавых военных конфликтов.Только в 1648 году, с подписанием Вестфальского мирного договора, конфликты между протестантами и католиками в континентальной Европе утихли.
 Мартин Лютер сосредоточил свою критику на том, что он считал церковной алчностью и злоупотреблением властью. Он называл Рим, резиденцию папской власти, «блудницей Вавилона», украшенной дорогими предметами искусства, величественной архитектурой и роскошными банкетами. Церковь отреагировала на кризис двумя способами: внутренним решением проблемы коррупции и защитой доктрин, отвергнутых протестантами.Таким образом, если первые два десятилетия XVI века были периодом щедрых расходов папства, то средние десятилетия были периодом жесткой экономии. Как заметил один посетитель Рима в 1560-х годах, весь город превратился в монастырь. Днем правили благочестие и аскетизм.
 К концу XVI века католическая церковь снова почувствовала оптимизм и даже торжество. Он вышел из кризиса с новой силой и ясностью цели. В центре внимания стояло пастырство верных — наставление их о католических доктринах и воодушевление добродетельным поведением.Стремясь восстановить репутацию Рима как священного города, папство приступило к обширным кампаниям по строительству и декорированию, направленных на то, чтобы подчеркнуть его древнее происхождение, его верования и санкционированный Богом авторитет. В глазах верных католиков Рим был не неверной блудницей, а чистой невестой, красиво украшенной для союза со своим божественным супругом.
 Вид на часовню Черази в Санта-Мария-дель-Пополо в Риме с алтарем Аннибале Карраччи, Вознесение Богородицы, 1600-01, холст, масло, 96 × 61 дюйм и вправо, Преображение Святого Павла Караваджо (Преобразование Саул), 1601, 91 дюйм × 69 дюймов
 Искусство убеждения: наставлять, радовать, двигаться 
 В то время как протестанты резко критиковали культ изображений, католическая церковь горячо восприняла религиозную силу искусства.Церковь утверждала, что изобразительное искусство играет ключевую роль в руководстве верующими. Они, безусловно, были так же важны, как письменное и устное слово, и, возможно, даже более важны, поскольку были доступны как ученым, так и необразованным. Чтобы быть эффективным в своей пастырской роли, религиозное искусство должно было быть ясным, убедительным и мощным. Он должен был не только наставлять, но и вдохновлять. Он должен был побудить верующих ощутить реальность жертвы Христа, страдания мучеников, видения святых.
 Караваджо, Терновый венец, 1602-04, холст, масло, 165,5 x 127 см (Художественно-исторический музей, Вена)
 Акцент церкви на пастырской роли искусства побудил художников экспериментировать с новыми и более прямыми способами привлечения зрителя. Художники, такие как Караваджо, обратились к мощному и драматическому реализму, подчеркнутому смелыми контрастами света и тьмы, и сильно обрезанным композициям, которые усиливают физическую и эмоциональную непосредственность изображенного повествования. Другие художники, такие как Аннибале Карраччи (который также экспериментировал с реализмом), в конечном итоге остановились на более классическом визуальном языке, вдохновленном яркой палитрой, идеализированными формами и сбалансированными композициями Высокого Возрождения.Третьи, такие как Джованни Баттиста Гаулли, обратились к смелым подвигам иллюзионизма, которые стерли границы не только между живописью, скульптурой и архитектурой, но и между реальным и изображаемым мирами. При этом божественное стало физически присутствующим и осязаемым. Будь то шокирующий реализм, динамичное движение или пышный орнамент, искусство семнадцатого века призвано произвести впечатление. Он направлен на то, чтобы убедить зрителя в истинности своего сообщения, воздействуя на чувства, пробуждая эмоции и активируя, даже разделяя пространство зрителя.
 Джованни Баттиста Гаулли, также известный как Иль Бачиччо, Триумф имени Иисуса, потолочная фреска Иль Джезу, 1672–1685
 Католические монархи и их территории 
 Монархи Испании, Португалии и Франции также использовали более изысканные элементы искусства семнадцатого века, чтобы прославить католицизм. В Испании и ее колониях правители вкладывали огромные средства в замысловатые церковные фасады, потрясающие, покрытые золотом часовни и кущи, а также поразительно реалистичные полихромные скульптуры.В испанских Нидерландах, где священное искусство сильно пострадало в результате протестантского иконоборчества (разрушения искусства), гражданские и религиозные лидеры отдавали приоритет украшению церквей, поскольку регион вернул себе католическую идентичность. Ремонт алтарей церквей Антверпена долгие годы занимал мастерскую Питера Пауля Рубенса. Европейские монархи также использовали этот художественный словарь, чтобы провозгласить свою власть и статус. Людовик XIV, например, заказал великолепные здания и сады Версаля как визуальное выражение своего божественного права на власть.
 Вид на картины Питера Пауля Рубенса в Старой пинакотеке, Мюнхен
 Протестантский Север 
 В протестантских странах, особенно в недавно обретшей независимость Голландской республике (современная Голландия), художественный климат радикально изменился после Реформации.
 Джудит Лейстер, Автопортрет, ок. 1630 г., холст, масло, 651 x 746 см (Национальная художественная галерея, Вашингтон)
 Два самых богатых источника покровительства — монархия и церковь — исчезли.На их месте возник все более процветающий средний класс, стремящийся выразить свой статус и новое чувство национальной гордости через покупку произведений искусства.
 К середине 17 века возник новый рынок, отвечающий художественным вкусам этого класса. Теперь возник спрос на картины меньшего масштаба, подходящие для показа в частных домах. Эти картины включали религиозные сюжеты для личного созерцания, как это видно на пронзительных картинах Рембрандта и репродукции библейских повествований, а также портреты, запечатлевшие индивидуальные сходства.
 Виллем Клас Хеда, Банкет с пирогом, 1635, холст, масло, 42 х 43-3 / 4 дюйма (Национальная галерея искусств, Вашингтон)
 Но самым большим изменением на рынке стало резкое увеличение популярности пейзажей, натюрмортов и сцен повседневной жизни (известных как жанровая живопись). Действительно, распространение этих предметов как независимых художественных жанров было одним из самых значительных вкладов 17 века в историю западного искусства. Во всех этих жанрах художники проявляли живой интерес к воспроизведению наблюдаемой реальности — будь то свет на голландском пейзаже, мгновенное выражение лица или различные текстуры и материалы предметов, которые голландцы собирали, когда пожинали плоды. их расширяющейся торговой империи.Эти работы продемонстрировали такую же художественную виртуозность и физическую непосредственность, как и величественные украшения дворцов и церквей католической Европы.
 Франсиско де Сурбаран, Святой Франциск Ассизский согласно видению Папы Николая V, ок. 1640 г., холст, масло, 110,5 x 180,5 см (Национальный музей искусства Каталонии, Барселона)
 «Барокко» — слово, стиль, период 
  В контексте европейской истории период от ок. 1585 до с. 1700/1730 годы часто называют эпохой барокко.Слово «барокко» происходит от португальских и испанских слов, обозначающих большую жемчужину неправильной формы («barroco» и «barrueco» соответственно). Критики восемнадцатого века первыми применили этот термин к искусству 17 века. Это не было похвалой. В глазах этих критиков, сторонников сдержанности и порядка неоклассицизма, работы Бернини, Борромини и Пьетро да Кортона казались причудливыми, абсурдными, даже болезненными — другими словами, деформированными, как несовершенная жемчужина.
 К середине 19-го века это слово утратило уничижительный смысл и использовалось для описания декоративных и сложных качеств, присутствующих во многих образцах искусства, музыки и литературы 17-го века.В конце концов, этот термин стал обозначать исторический период в целом. В контексте живописи, например, абсолютный реализм алтарей Сурбарана, тихая интимность домашних интерьеров Вермеера и сдержанный классицизм пейзажей Пуссена — все это «барокко» (теперь с большой буквы «B», обозначающей исторический период). независимо от отсутствия стилистических черт, изначально связанных с этим термином.
 Николя Пуссен, Пейзаж со Св. Иоанном, 1640, холст, масло, 39-1 / 2 x 53-5 / 8 дюймов (Институт искусств Чикаго)
 Ученые продолжают спорить о действительности этого ярлыка, признавая полезность наличия ярлыка для этого особого исторического периода, а также признавая его ограниченность в характеристике разнообразия художественных стилей, присутствовавших в 17 веке.
 Изучение богато украшенного искусства и архитектуры барокко 
 Этот пост может содержать партнерские ссылки. Если вы совершите покупку, My Modern Met может получать партнерскую комиссию. Пожалуйста, прочтите наше раскрытие для получения дополнительной информации.
 На протяжении 17-18 веков европейские художники и архитекторы перенимали все более сложный стиль. Этот подход, известный как  Baroque , отличается изысканной, неповторимой эстетикой, которая пробуждает воздушность и направлена на то, чтобы внушить благоговение.
 Сегодня период барокко остается одним из самых знаменитых культурных движений в истории западного искусства. Здесь мы рассмотрим этот яркий стиль, исследуя историю и эволюцию его яркого искусства и архитектуры.
 Каким был период барокко? 
 Названный в честь   barroco   (португальский термин для обозначения жемчужины неправильной формы), период  барокко  определяется величием и богатством его искусства и архитектуры.Укоренившись в Риме, движение распространилось по Италии и другим европейским странам между 1600 и 1750 годами, став особенно популярным во Франции, Испании и Австрии.
 Николя Пуссен, «Вакханский пир перед статуей Пана» (ок. 1632–1633) (Фото: Национальная галерея, Лондон, Wikimedia Commons, общественное достояние)
 Каковы основные характеристики искусства барокко?  Искусство и архитектура барокко, как правило, невероятно  экстравагантно  и демонстрируют  движение ,  напряжение ,  эмоции  и  драматическое использование света и тени .
 Поскольку период барокко совпал с периодом  итальянского Возрождения , неудивительно, что эти два механизма имели некоторое стилистическое сходство. Художники как барокко, так и эпохи Возрождения использовали реализм, богатый цвет и религиозные или мифологические сюжеты, в то время как архитекторы, работающие в обоих стилях, предпочитали баланс и симметрию. Однако то, что отличает стиль барокко от его аналога эпохи Возрождения, — это его  щедрость  — характерная черта, очевидная как в его искусстве, так и в архитектуре.
 Искусство барокко 
 Живопись  Хотя тематика и даже стиль могут варьироваться между картинами в стиле барокко, у большинства произведений этого периода есть одна общая черта:  драма .
 В работах таких известных художников, как  Караваджо  и  Рембрандт , интерес к драме проявляется в интенсивных контрастах между сияющим светом и надвигающимися тенями.
 Караваджо, «Призвание святого Матфея» (ок.1599 или 1600) (Фото: Ibiblio через Wikimedia Commons, общественное достояние)
 Рембрандт, «Ночной дозор» (1642 г.) (Фото: Государственный музей через Wikimedia Commons, общественное достояние)
 художников барокко, таких как  Джентилески ,  Пуссен  и  Рубенс , достигли обостренного чувства драмы через движение. Часто эта динамичная иконография была вдохновлена сказками из Библии и историями из древней мифологии.
 Джентилески, «Давид и Голиаф» (ок.1605-1607) (Фото: через Wikimedia Commons, общественное достояние)
 Помимо энергичных композиций, Рубенс запечатлел драматизм в своей богатой и сияющей цветовой палитре. «Рубенс избегал живописи так, что цвет впитывался. Светящаяся ясность его работ была доказательством превосходства его техники», — объясняет художник Макс Дорнер в книге «« Материалы художника и их использование в живописи »». «В его цветах было столько яркости и связующей среды, что, как и в картинах Ван Эйка, они обладали блеском, и их не нужно было покрывать лаком.”
 Питер Пауль Рубенс, Самсон и Далила (ок. 1609–1610) (Фото: Национальная галерея, Лондон, Wikimedia Commons, общественное достояние)
 Скульптура  Фигурные скульптуры из бронзы и мрамора, созданные в этот период, демонстрируют интерес к  динамизму . Скульпторы, такие как  Bernini , могли пробуждать движение за счет завихряющихся силуэтов, скрученных контуров и плавной драпировки. Добавленные элементы, такие как водные арматуры, часто усиливали этот театральный подход.
 Бернини, «Аполлон и Дафна» (1622–1625)
 Подобно статуям эпохи Возрождения, в том числе легендарному Давиду  Микеланджело  —  Скульптуры в стиле барокко  часто предназначались для украшения величественных зданий. Они также были заказаны для других грандиозных декораций, таких как позолоченные церковные интерьеры и королевские сады.
 Бернини, «Экстаз Святой Терезы» (1647–1652)
 Шарль Лебрен, Фонтан Аполлона в садах Версаля (1668–1671)
 Архитектура барокко и дизайн интерьеров 
 Интерьер  Подобно искусству той эпохи, интерьеры в стиле барокко проявляли интерес к непомерному величию.Мебель и другие предметы декоративного искусства часто изображали , прокручивающуюся  — узорчатый дизайн, напоминающий спиральную листву, — и другие элементы, вдохновленные миром природы. Точно так же   путти —   фигуры, похожие на купидона, — часто украшали гобелены и потолочные росписи.
 Интерьер церкви аббатства Херцогенбург, Нижняя Австрия (Фото: Uoaei1 через Wikimedia Commons, CC BY-SA 3.0 AT)
 Интерьер Schaezlerpalais, Аугсбург, Германия (Фото: Adam63 через Wikimedia Commons, CC BY-SA 3.0)
 Как и ожидалось, материалы, использованные для создания этих интерьеров, источали роскошь, о чем свидетельствует «богатая бархатная и дамасская мебель, а также мебель из позолоченного дерева и маркетри» (Музей Виктории и Альберта), которую часто можно найти внутри дворцов.
 Спальня дофина в Версальском дворце
 Экстерьер  Архитектура барокко также отличается орнаментом. Часто фасады зданий в стиле барокко украшены сложной рельефной резьбой, позолоченными акцентами и колоннами, а именно  Соломоновыми колоннами , эстетика штопора которых была одобрена архитекторами от Испании до Австрии.
 Церковь Св. Карла, Вена (1737)
 Архитекторы по всей Европе также возглавили множество базилик, церквей и других зданий в стиле барокко с  куполами . Помимо овальных куполов, которые возводились по всему континенту, предпочтительный стиль куполов обычно варьировался в зависимости от региона: луковичные купола преобладали в Центральной Европе, а луковичные купола оказались популярными в Германии.
 Прежде всего, архитектура барокко отдавала предпочтение балансу , балансу .
 Купол церкви Сантиссимо Ном ди Мария аль Форо Траяно, Рим (1736-1751)
 Наследие 
 Хотя стиль барокко возник много веков назад, он остается одним из самых любимых направлений в истории искусства.Независимо от того, смотрите ли вы на бесценную коллекцию картин в Лувре или бросаете монету в популярный римский фонтан  Треви , непреходящее наследие искусства и архитектуры барокко так же очевидно, как и его богатство.
 Никола Сальви, Фонтан Треви ‘(1732-1762) (Фото: Рой Фоккер через Wikimedia Commons, общественное достояние)
  Эта статья была отредактирована и обновлена.   Статьи по теме: 
 Как цветы превратились в один из самых популярных предметов истории искусства
 Что мы можем узнать из изысканной истории и изысканной эстетики готической архитектуры
 Великолепная архитектура Великого Антонио Гауди в стиле модерн
 15 самых известных скульптур, которые вам нужно знать
 Определение барокко Мерриам-Вебстер  ба · рок
| \ bə-ˈrōk
, ba-, -ˈräk, -rȯk \ 1
Изобразительное искусство : , относящийся к стилю художественного выражения, преобладающий, особенно в 17 веке, или имеющий характеристики стиля, который обычно отмечен использованием сложных форм, смелым орнаментом и сопоставлением контрастных элементов, часто передающих ощущение драмы. движение и напряжение
барочный собор барокко музыка и литература период барокко
 2 : , отличающиеся гротескностью, экстравагантностью, сложностью или яркостью.
поистине барочный саботаж — Г.Н. Шустер
 3
драгоценных камней :  неправильной формы
жемчужина барокко
 Изобразительное искусство :  стиль барокко или период его расцвета Реплики масляной живописи в стиле барокко на продажу 
 Начало XVII века было довольно насыщенным: философия Декарта посеяла семена вопросов в умах людей, Исаак Ньютон и Галилей — новые научные открытия, не говоря уже о самодержавном правительстве, щеголяющем своим экстравагантным богатством. .Религиозная сцена была напряженной, поскольку протестантская Реформация оказала давление на католическую церковь, которая ответила контрреформацией. Католическая церковь больше, чем когда-либо, вкладывала средства в искусство, чтобы воспроизводить библейские повествования, чтобы восстановить веру людей.
 Спонсируемое в основном католической церковью, барокко было ответом на маньеризм, просуществовавший до конца XVI века. В искусстве барокко использовалась сложная композиция, с систематическими схемами, тяжелыми украшениями и переливом света и тени.Художники были заинтересованы в том, чтобы вызвать более непосредственное обращение к чувствам, придавая большее значение движению и драматическому ощущению работы.
 Термин, приписываемый движению, как и многие другие, изначально был уничижительным, так как был дан более молодым поколением критиков, которые чувствовали необходимость дискредитировать творчество художников барокко. Этот термин использовался в смысле гротескного, искаженного и нелепого из-за текучести, которую художники приписывали движению.
 В связи с продолжающимся ремонтом, спонсируемым церковью, Рим постоянно приглашает художников со всей Европы работать и учиться, в основном о мастерах эпохи Возрождения.Эта миграция приводит к богатому культурному обмену, и движение барокко распространяется по всей Европе. Аннибале Карраччи вместе со своим братом Агостино и двоюродным братом Лодовико основал художественную академию. В этой академии студенты черпали из реальных вещей, укрепляя приверженность истине. Они также будут изучать классиков художников эпохи Возрождения. В картинах Аннибале внимание уделяется движению и цвету. Его работа позже повлияет на Гверчино, поскольку он создает движение, играя с развевающимся плащом фигуры.
 Караваджо — самый известный художник итальянского барокко, хотя о его жизни известно очень мало. Он хотел честно и верно изобразить мир, и этот смелый взгляд на реальность сделал его картины чрезвычайно откровенными. В своей технике он любезно развил светотень, впервые использованную Леонардо да Винчи, и усилил использование света и тьмы, как это видно в «Обращении святого Павла». Его работа была настолько влиятельной, что возникли школы последователей, вдохновленных его работой под названием  Caravagesques .
 Самой известной женщиной-художником XVII века, а также первой женщиной, поступившей во Флорентийскую Академию художеств, где учился тот же Микеланджело, была Артемизия Джентилески. Ее стиль живописи похож на Караваджо и несет в себе мощный посыл. Артемизию, которую всегда подрывали и часто отвергали за то, что она была женщиной в сфере, где преобладают мужчины, приписывали многие свои картины другим мужчинам, например, ее отцу. Только в 70-х годах исследователи поняли, что она была первым феминистским символом мира искусства.Представляя сильные женские фигуры из Библии, как это было в греческой мифологии, она, казалось, посылала послание силы. Художник был вынужден выйти замуж после того, как ее репутация была испорчена из-за изнасилования в 18 лет; ее работы кажутся ее местью патриархальному и несправедливому обществу. В ее самой известной картине «Юдифь, убивающая Олоферна» Юдифь с помощью служанки обезглавливает своего обидчика.
 Джан Лоренцо Бернини, скульптор и архитектор, смог определить в своих работах, что такое стиль барокко.Его пышные проекты были театральными, органичными и динамичными. «Экстаз Святой Терезы» — это захватывающее произведение искусства с почти эротическим чувством, в котором сочетаются архитектура и скульптура. Бернини работает с мрамором, бронзой, стеклом и фресками, чтобы завершить этот шедевр барокко. Другой влиятельный художник — Диего Веласкес, официальный художник королевской семьи. В «Лас Менинас» Веласкес рисует себя перед холстом, когда пишет портрет короля и королевы, которые находятся в позиции зрителя, другими словами, их нет на картине.Рядом с ним члены двора и королевской семьи.
 В это время голландцы также переживали золотой век живописи. Не связанное с католической церковью и сумевшее стать самой богатой европейской страной, искусство барокко в Нидерландах развило другую тематику. С появлением среднего класса, который хотел потреблять искусство, не было необходимости в библейском повествовании, открывающем живопись натюрмортам, портретам, пейзажам и домашним сценам. Эта последняя тема была прекрасно раскрыта Йоханнесом Вермеером, как в «Доярке».Рембрандт Ван Рейн также является важным голландским художником и наиболее известен своими автопортретами.
 Католическая культура в эпоху барокко 
 Рост евангельского рвения. 
 В конце шестнадцатого века и протестанты, и католики-реформаторы начали удваивать свои усилия, чтобы внушить своим мирянам принципы своей религии, и к первым десятилетиям эпохи барокко рост евангельского рвения стал очевиден в усилиях набожных кальвинистов. , Лютеранские и католические писатели, художники и богословы.Одним из ключевых элементов этих новых сил было то, что все они пытались привлечь на свою сторону тех, кто был относительно не привержен делу определенной религии, чтобы они приняли ее стандарты. С самого начала новая пропаганда, возникшая в результате этих усилий, состояла как из положительных, так и отрицательных элементов. С одной стороны, новые европейские набожные стремились внушить людям противодействие конкурирующим религиозным позициям, и поэтому они часто осуждали идеи своих оппонентов, не просто как ошибочные, но как опасную и разрушительную болезнь, или, по их собственным словам, «еретические». яд.«С другой стороны, протестанты и католики спонсировали новые формы искусства, архитектуры и литературы, которые были разработаны для пропаганды положительного образа учения их религии. Конечно, негативные попытки« евангелизировать »население Европы были наиболее очевидны в последние десятилетия. ведущих к Вестфальскому миру, то есть периоду наиболее интенсивных боев на континенте по вопросам, порожденным протестантской и католической реформами. В эти годы появился поток полемических трактатов, пьес и печатных плакатов, осуждающих идеи и действия конкурентов.В то же время были получены положительные оценки сильных сторон каждой религии, которые оставили свой след в изобразительном искусстве, архитектуре и литературе того времени. По мере того как религиозная напряженность в годы, последовавшие за Вестфальским миром, постепенно утихала, повышенный пыл, проявившийся в начале семнадцатого века, имел тенденцию уменьшаться. В то же время наследие Европы, разделенной на противоборствующие религиозные лагеря, сохранилось, оставив свой след в культуре протестантских и католических регионов.Одним из результатов этой продолжающейся тенденции было то, что к 1700 году личность и поведение человека в значительной степени определялись тем, вырос ли он в лютеранском, кальвинистском или католическом государстве, поскольку в каждом из них теперь процветали разные культуры. .
 Рим торжествует. 
 В семнадцатом веке римский католицизм победил в большей части Европы, отвоевав земли, особенно в Центральной и Восточной Европе, где кальвинизм и лютеранство приобрели множество приверженцев в шестнадцатом и начале семнадцатого веков.Эта тенденция продолжалась и в конце семнадцатого и восемнадцатого веков, когда ряд князей в Германии и Центральной Европе обратились в католицизм, таким образом переведя свои земли в орбиту Рима. В то время как Скандинавия, большая часть Германии, некоторые части Швейцарии, Соединенные голландские провинции, Англия и Шотландия оставались протестантскими, большая часть Европы теперь была католической. В этой обширной и разнообразной религиозной сфере одной из самых отличительных черт культурной и интеллектуальной жизни был космополитический интернационализм.Когда Рим начал возрождаться как крупный культурный центр семнадцатого века, художники и архитекторы со всего католического мира направились в древний город, и новые образцы живописи в стиле барокко и церковного строительства относительно быстро распространились по католическим регионам. Однако движение между Римом и провинциями католического мира также двигалось в противоположном направлении. В то время как католические художники, такие как Питер Пауль Рубенс, учились в Риме и возвращались в свои регионы, чтобы продвигать новую драматическую интенсивность, присущую картинам в стиле барокко, итальянские художники высоко ценились в католических дворах и городах по всей Европе.Таким образом, взаимосвязанность католического мира в семнадцатом веке стала одной из его наиболее отличительных черт. На протяжении большей части семнадцатого века Рим и итальянские города, такие как Венеция, доминировали над стилем и модой в искусстве во всем католическом мире, но постепенно возникали новые центры, особенно во Франции и Испании, которые должны были породить движения, которые быстро распространялись. Орден иезуитов с его системами школ и семинарий во всех уголках католического континента был также среди многих важных сил, питавших культурные связи и обмены между различными регионами этого огромного мира.
 Эстетика католической преданности. 
 Безусловно, преобладающим эстетическим барочным католицизмом был тот, в котором преобладали зрение и осязание, а католические набожные концентрировались на символах веры. С началом католической Реформации в шестнадцатом веке религиозные писатели, такие как св. Игнатий Лойола, основатель ордена иезуитов, и св. Тереза Авильская, испанский мистик, рекомендовали необходимость установления умственной дисциплины в молитве.В отличие от относительно нерегулируемого мира благословений и медитаций позднего средневековья, орден иезуитов, в частности, развил идею духовного уединения. Опираясь на «Духовные упражнения » Св. Игнатия , они создали идею периода изоляции, в течение которого ученик мог медитировать и обуздывать воображение, чтобы избежать греха, как только он или она вернется в общество. На этих занятиях участники научились разбираться в скрытых смыслах вещей и событий и полагаться на слух, осязание и зрение, чтобы приблизиться к Богу.Католики с энтузиазмом восприняли новые религиозные обряды, которые процветали в этом и подобном ключе в семнадцатом веке, и все они в некотором роде подчеркивали силу медитации. В то время процветала одна преданность «Мучительной смерти Иисуса Христа». Снова спонсируемый иезуитами, он появился в середине семнадцатого века и быстро распространился. К концу
В семнадцатом веке в католических приходах Европы были часовни, посвященные богослужению. Преданность концентрировалась на еженедельных или ежемесячных периодах медитации, во время которых участники размышляли о том, как умер Христос, чтобы подготовить их к «хорошей» смерти.Как и другие новые религиозные обряды, преданность «Агонизирующей смерти Иисуса Христа» распространялась через тонкие печатные книги, в которых излагалась литургия, которую следовало выполнять еженедельно. Эти тексты требовали, чтобы группа проводила определенное определенное количество времени каждую неделю, медитируя на общие темы, прежде чем выполнять другие добрые дела. Эти добрые дела, в свою очередь, усилили одну из символических тем, над которыми группа размышляла в предыдущие дни и недели.
 Искусство и архитектура. 
 Таким образом, контуры большей части католической религиозной жизни семнадцатого века подчеркивали важность умственной дисциплины и использования чувств, особенно зрения, для приближения к Богу.Важность формирования мысленных образов событий, подобных Агонии Христа, помогла создать атмосферу, в которой художественные образы и архитектура играли жизненно важную роль, поскольку эти искусства рассматривались как помощь в поддержании и углублении преданности. Поэтому неудивительно, что семнадцатый и начало восемнадцатого веков были великими веками церковного строительства и религиозного искусства в католическом мире. Огромное количество проектов по строительству и реконструкции церквей, начатых в те годы, до сих пор поражает современного наблюдателя.В католических городах и приходах по всему континенту строительные бригады почти постоянно находились в движении, чтобы отремонтировать старые церкви и построить новые памятники, призванные удовлетворить и поддержать визуальное и чувственное благочестие верующих католиков. В то время как иезуиты и другие религиозные ордена заказывали и оплачивали большую часть этого искусства, реконструкция приходских церквей была задачей, выполняемой и финансируемой на местном уровне прихожанами. Таким образом, огромное количество памятников отчасти указывает на широкую популярность католического благочестия в стиле барокко.В Центральной Европе большое возрождение художественного производства и церковных архитектурных проектов было отложено на одно или два поколения дольше, чем в Италии, Испании и Франции, из-за депрессии, вызванной Тридцатилетней войной. Но когда это возрождение началось через десятилетия после Вестфальского мира (1648 г.), оно вскоре изменило религиозный ландшафт региона. На большей части территории Центральной Европы, особенно на юге Германии, католики продолжали жить бок о бок с протестантским населением, и строительство драматических церквей в стиле барокко стало прямой контрнаступлением на чувства протестантов, которые поклонялись в гораздо более обширной среде. сдержанный, даже суровый.По всему региону большинство церквей было реконструировано или переоборудовано в стиле барокко в поколениях, последовавших за Тридцатилетней войной. Хотя многие проекты были заказаны и оплачены религиозными орденами, гораздо больше проектов финансировалось на местном уровне. Таким образом, типичная приходская церковь в регионе приобрела примечательные черты барокко: ощущение драматической кульминации, роскошный и богато украшенный орнамент и множество религиозных образов, отражающих растущую популярность форм благочестия, направленных на умственную дисциплину. .
 Ритуал и показ. 
 Еще одной чертой благочестия в стиле барокко, которая давно отмечается учеными, была растущая привязанность к паломничествам, процессиям и другим ритуалам, которые отображали и защищали элементы католического учения. В течение шестнадцатого века протестантские реформаторы в целом разделяли отвращение к большей части ритуального формализма средневековой церкви и часто критиковали проявления благочестия, такие как процессии и паломничества, как тщетные и бесполезные. По мере того как католическое возрождение начало разгораться в Европе в конце шестнадцатого века, паломнические святыни снова начали привлекать тысячи паломников в католическом мире.Хотя многие
совершил путешествие в великие европейские центры паломничества, такие как Рим или Сантьяго-ди-Компостелла в Испании, наиболее важными центрами такого поклонения были местные. В эти годы в каждом католическом регионе Европы появилось большое количество местных святынь: некоторые из них довольно большие и привлекали паломников со всего штата, другие значительно меньше и имеют только региональных последователей. Одной из интересных особенностей многих из этих святынь семнадцатого века были попытки скопировать и имитировать события из других частей католического мира.В шестнадцатом веке одним из самых популярных религиозных обрядов в Европе было паломничество к Святому дому в Лорето на севере Италии, святыне, которая со времен позднего средневековья предположительно принадлежала к жилищу, в котором жили Мария, Иосиф и молодой Иисус. жил. В середине шестнадцатого века иезуит Петр Канисиус популяризировал эту религиозную культуру по всей Европе, опубликовав Лаврентьевскую ектению, сборник молитв, которые были найдены в доме и предположительно написаны Девой Марией.Популярность Литании поддержала итальянскую святыню как место народного поклонения, но она также породила многочисленные «копии» часовни Лорето и ее дома по всей Европе, поскольку паломники посещали это место и хотели иметь подобное место поклонения поблизости. Лорето был лишь одним из многих подобных религиозных обрядов, которые распространились по континенту таким образом, поскольку католики в одном регионе копировали религиозные образы, святыни и другие элементы католической религиозности, которые оказались полезными в других местах.Поездки в эти новые центры благочестия часто совершались процессиями, когда целые приходы совершали поездку к местному святилищу в какой-либо согласованный день, обычно в летние месяцы. Но шествия в дни святых или на крупные церковные праздники, устраиваемые дома в деревне, а также другие ритуалы, такие как благословение животных и полей, также были обычным явлением во всем католическом мире в стиле барокко.
 источника 
 Луи Шателье,  Европа благочестивых  (Кембридж, Англия: Издательство Кембриджского университета, 1989).
 Марк Форстер,  Католическое возрождение в эпоху барокко: религиозная идентичность в Юго-Западной Германии, 1550–1750  (Кембридж: England Cambridge University Press, 2001).
 Ронни По-Чиа Ся,  Мир католического возрождения, 1540–1770  (Нью-Йорк: издательство Кембриджского университета, 1998).
 Хуберт Джедин и Джон Долан, ред.,  История церкви в эпоху абсолютизма и просвещения,  т. 6 из  История церкви  (Нью-Йорк: Seabury Press, 1981).
 Майкл Маллетт,  Католическая Реформация  (Лондон: Рутледж, 1999).
 Джон В. О’Мэлли, изд.,  Иезуиты: культура, наука и искусство, 1540–1773  (Торонто: University of Toronto Press, 1999).
  см. Также    Архитектура: наследование эпохи Возрождения и католическое обновление  ;   Архитектура: расцвет стиля барокко в Италии  ;   Изобразительное искусство: влияние контрреформации на искусство  
 «Романтические», «классические» и «барочные» взгляды на природу: анализ изображений окружающей среды в греческих учебниках для начальной школы — диахронические соображения 
 Arcury, Т.А., Джонсон, Т. П., и Сколлей, С. Дж. (1986). Экологическое мировоззрение и экологические знания: «новая экологическая парадигма».  Журнал экологического образования, 17 , 35–40.
 Артикул
Google ученый
 Бакстер Б. (1999). Экологическая этика — ценности или обязательства? Ответ О’Нилу.  Экологические ценности, 8 , 107–112.
 Артикул
Google ученый
 Бек, У., Гидденс, А., & Лэш, С. (1996).  Рефлексивная модернизация: политика, традиции и эстетика в современном социальном устройстве . Кембридж: Политика.
 Google ученый
 Берр В. (1995).  Введение в социальный конструктивизм . Лондон: Рутледж.
 Забронировать
Google ученый
 Карвалью, Г. С., Сильва, Р., и Клеман, П. (2007).Исторический анализ португальских учебников для начальной школы (1920–2005) по теме пищеварения.  Международный журнал естественнонаучного образования, 29  (2), 173–193.
 Артикул
Google ученый
 Купер Г. (2001). Должен ли быть баланс природы?  Биология и философия, 16 , 481–506.
 Артикул
Google ученый
 Каддингтон, К.(2001). Метафора «равновесия природы» и равновесия в популяционной экологии.  Биология и философия, 16 , 463–479.
 Артикул
Google ученый
 Димопулос, К., Кулаидис, В., и Склавенити, С. (2003). К анализу визуальных образов в школьных учебниках естествознания и статьях в прессе о науке и технологиях.  Исследования в области естественнонаучного образования, 33 , 189–216.
 Артикул
Google ученый
 Элгар, А.Г. (2004). Учебники естественных наук для младших классов средней школы в Брунее: вопросы гендерного равенства.  Международный журнал естественнонаучного образования, 26  (7), 875–894.
 Артикул
Google ученый
 Элтинг, Э. М., и Робертс, К. У. (1993). Лингвистический контент-анализ: метод измерения науки как исследования в учебниках.  Журнал исследований в области преподавания естественных наук, 30  (1), 65–83.
 Артикул
Google ученый
 Гидденс, А.(1991).  Современность и самоидентификация: я и общество в эпоху позднего модерна . Кембридж: Политика.
 Google ученый
 Hagen, J. (1989). Перспективы исследований и аномальное состояние современной экологии.  Биология и философия, 4 , 433–455.
 Артикул
Google ученый
 Хартиг, Т. (1993). Опыт природы в транзакционной перспективе. Ландшафт и градостроительство, 25 , 17–36.
 Артикул
Google ученый
 Джакс К. (1998). Holocoen и экосистема: О происхождении и исторических последствиях двух концепций.  Журнал истории биологии, 31 , 113–142.
 Артикул
Google ученый
 Джонс, О. (2002). Естественно, нет! Детство, город и романтика. Обзор экологии человека, 9  (2), 17–30.
 Google ученый
 Каплан, С., & Каплан, Р. (1989).  Опыт природы: психологическая перспектива . Нью-Йорк: Издательство Кембриджского университета.
 Google ученый
 Knain, E. (2001). Идеологии в школьных учебниках естествознания.  Международный журнал естественнонаучного образования, 23 , 319–329.
 Артикул
Google ученый
 Корфиатис, К. Дж., Стаму, А. Г., и Параскевопулос, С. (2004). Образы природы в греческих учебниках для начальной школы.  Естественное образование, 88 , 72–89.
 Артикул
Google ученый
 Кресс, Г., и Ван Левен, Т. (1996).  Чтение изображений: Грамматика визуального дизайна . Лондон: Рутледж.
 Google ученый
 Криппендорф, К.(1980).  Контент-анализ. Введение в его методологию . Лондон: Серия Sage Commtext, Sage Publications Ltd.
 Google ученый
 Ква, К. (2002). Романтические и барочные концепции сложных целостностей науки. В J. Law & A. Mol (Eds.),  Сложности: социальные исследования практики знания  (стр. 23–52). Дарем: издательство Duke University Press.
 Google ученый
 Лакофф, Г., И Джонсон, М. (1980). Метафоры, которыми мы живем. Чикаго: Издательство Чикагского университета.
 Латур Б. (2005).  Повторная сборка социального: введение в теорию сетей акторов . Оксфорд: Издательство Оксфордского университета.
 Google ученый
 Law, J. (2004). А если бы глобальные были маленькими и несвязными? Метод, сложность и барокко.  Окружающая среда и планирование D: Общество и космос, 15 , 731–756.
 Google ученый
 Law, J., & Hassard, J. (Eds.). (1999).  Теория сетей акторов и после . Оксфорд и Кил: Блэквелл и социологический обзор.
 Google ученый
 Лемке, Дж. Л. (1998). Умножение значения: визуальная и вербальная семиотика в научном тексте. В J. R. Martin & R. Veel (Eds.),  Reading science  (стр. 87–113).Лондон: Рутледж.
 Google ученый
 Левинс Р. и Левонтин Р. (1985).  Диалектический биолог . Кембридж: Издательство Гарвардского университета.
 Google ученый
 Майерс, Г. (1995). Слова и картинки в учебнике биологии. В Т. Миллер (ред.),  Функциональные подходы к письменному тексту: Классные приложения  (стр. 113–126). Париж: TESOL.
 Google ученый
 Ninnes, P. (2000). Представление знаний коренных народов в учебниках естественных наук для средних школ Австралии и Канады.  Международный журнал естественнонаучного образования, 22  (6), 603–617.
 Артикул
Google ученый
 О’Нил, О. (1997). Экологические ценности, антропоцентризм и спесишизм.  Экологические ценности, 6 , 127–142.
 Артикул
Google ученый
 Остман, Л. (1998). Как сопутствующие значения выражаются в дискурсе естественнонаучного образования. В Д. А. Робертс и Л. Остман (ред.),  Проблемы значения в учебной программе  (стр. 54–70). Нью-Йорк: издательство Teachers College Press.
 Google ученый
 Пик, Дж. (1993). Увеличение графических эффектов при обучении по иллюстрированным текстам. Обучение и инструктаж, 3 , 227–238.
 Артикул
Google ученый
 Пикеринг А. (1984).  Конструирование кварков: социологическая история физики элементарных частиц . Чикаго: Издательство Чикагского университета.
 Google ученый
 Пикетт, С. Т., Коласа, Дж., И Джонс, К. Г. (1994).  Экологическое понимание: природа теории и теории природы .Сан-Диего: академический.
 Google ученый
 Поттер Э. Ф. и Россер С. В. (1992). Факторы в учебниках по естественным наукам, которые могут сдерживать интерес девочек к науке.  Журнал исследований в области преподавания естественных наук, 29  (7), 669–686.
 Артикул
Google ученый
 Пауэлл Р. Р. и Гарсия Дж. (1985). Изображение меньшинств и женщин в избранных сериях по элементарной науке. Журнал исследований в области преподавания естественных наук, 22  (6), 519–533.
 Артикул
Google ученый
 Поззер, Л. Л., и Рот, В. М. (2003). Распространенность, функция и структура фотографий в школьных учебниках биологии.  Journal of Research in Science Teaching, 40  (10), 1089–1114.
 Артикул
Google ученый
 Поззер, Л. Л., и Рот, В.М. (2005). Осмысление фотографий.  Наука и образование, 89 , 219–241.
 Артикул
Google ученый
 Роботтом, И., и Харт, П. (1993).  Исследования в области экологического образования: участие в дискуссии . Джилонг: Издательство Университета Дикина.
 Google ученый
 Рот, В. М., Боуэн, Г. М., и Макгинн, М. К. (1999). Различия в методах работы с графами в школьных учебниках биологии и научных журналах по экологии. Журнал исследований в области преподавания естественных наук, 36 , 977–1019.
 Артикул
Google ученый
 Раски А., Уилке Р. и Бисли Т. (2001). Обзор состояния экологического образования на уровне штата в США.  Журнал экологического образования, 32 , 4–14.
 Артикул
Google ученый
 Schizas, D. G., & Stamou, G.П. (2005). Сетевое переосмысление природы и общества.  Ludus Vitalis, 24 , 55–82.
 Google ученый
 Сирл, Дж. (1995).  Конструирование социальной реальности . Нью-Йорк: бесплатно.
 Google ученый
 Шорт, Дж. (1991).  Воображаемая страна: общество, культура и окружающая среда . Лондон: Рутледж.
 Google ученый
 Стилианиду Ф., & Огборн Дж. (2002). Анализ иллюстраций из учебников естествознания об энергии и их прочтение школьниками.  Международный журнал естественнонаучного образования, 24  (3), 257–283.
 Артикул
Google ученый
 Тейлор П. (1988). Технократический оптимизм, Х.Т. Одум и частичная трансформация экологической метафоры после Второй мировой войны.  Журнал истории биологии, 21, , 213–244.
 Артикул
Google ученый
 Титчер, С., Мейер, М., Водак, Р., и Веттер, Э. (2000).  Методы анализа текста и дискурса . Лондон: Мудрец.
 Google ученый
 Урри, Дж. (2005). Сложности глобального.  Теория, культура и общество, 22  (5), 235–254.