Школа в стиле барокко: в Екатеринбурге выпускник отделал школу в стиле барокко — РТ на русском – Интересное о мире

Содержание

Художественная культура эпохи Барокко. "Стиль вечного праздника, жизненного спектакля"

Цели урока: познакомить учащихся с художественным направлением XVII в. – барокко, его особенностями; познакомить с шедеврами эпохи барокко – архитектурой и скульптурой Л.Бернини, архитектурными сооружениями Растрелли, произведениями Эрмитажа.

Барокко не только архитектурный стиль,
даже не только новый принцип в искусстве.
Это целая эпоха в истории нравов, понятий и отношений,
феномен не только эстетический, но и психологический.
У барокко были не только свои церкви и дворцы,
у него были свои люди, своя жизнь.

П.П.Муратов

1. Открытия XVII века

Культура XVII в. воплощает в себе всю сложность этого времени. Трудно найти столетие, которое бы дало столько блестящих имен во всех областях человеческой культуры. Европа XVII в. – это эпоха мануфактурного производства и водяного колеса – двигателя. Развитие мануфактурного производства порождало потребность в научных разработках. Такие ученые, как Коперник, Галилей, Кеплер внесли принципиальные изменения во взглядах на библейскую картину мироздания. В разработках Лейбница, Ньютона, Паскаля была раскрыта несостоятельность средневекового природы. Все это позволило сделать массу открытий и изобретений. Созданы алгебра и аналитическая геометрия, открыты дифференциальные уравнения и интегральное исчисление в математике, сформирован ряд важнейших законов в физике, химии, астрономии.

Для духовной жизни общества XVII в. большое значение имели великие географические и естественно-научные открытия: первое плавание Христофора Колумба в Америку, открытие Васко да Гаммой морского пути в Индию, кругосветное путешествие Магеллана, открытие Коперником движения Земли вокруг Солнца, исследования Галилея.

Новые знания разрушили прежние представления о неизменной гармонии мира, об ограниченном пространстве и времени, соразмерных человеку.

“Время барокко” включает в себя много стилей и направлений (маньеризм, классицизм, барокко и рококо) и “стиль барокко”.

Стиль барокко связан прежде всего с архитектурой и подчинял себе, соразмеривал с собой скульптуру (садово-парковую, интерьерную, рельефную резьбу), ДПИ и живопись (церковные и светские фрески, плафоны, парадный портрет).

Время барокко способствовало формированию национальных художественных школ со своими особенностями (Фландрия, Голландия, Франция, Италия, Испания, Германия).

2. Происхождение слова “барокко”

Термин “барокко” переводят как “причудливый, странный, вычурный”. Происхождение его не вполне ясно: то ли из лексикона средневековой логики, то ли от слова, означающего жемчужину неправильной формы.

Слово “барокко” французского происхождения. “Словарь Академии” впервые фиксирует его в 1718 г. В быту это слово и сейчас употребляется как синоним странного, причудливого, необычного, вычурного, неестественного. Этим термином пользовались ювелиры, обозначая им нестандартные жемчужины, которые мастера эпохи барокко умели использовать в декоративных целях.

Долгое время это слово символизировало дурной вкус, что-то неуклюжее; выражало неодобрительное отношение французских классицистов XVII в. к художественному стилю итальянского происхождения.

Итак, барокко – это стиль (стилевое направление) в европейском искусстве к XIV – середине VIII вв. Должно быть, в этом стиле и в самом деле есть что-то причудливое и странное, если даже специалисты сильно расходятся в его оценке. Одни считают, что искусство барокко – неправильное, взвинченное, громоздкое, противоречит гармоничному и жизнеутверждающему искусству Возрождения. Другие видят в барокко грандиозность, пластичность, стремление к красоте и поэтому считают его скорее продолжением Возрождения. Есть третье мнение: искусство барочного типа – это поздняя, кризисная стадия разных эпох в художественной культуре. В то же время многие ученые настаивают, что кризисная стадия Возрождения еще не барокко, дают ей особое наименование – маньеризм.Тем не менее даже знатоки не всегда решатся с уверенностью сказать, принадлежит автор к Возрождению, маньеризму или к барокко.

3. Литература эпохи барокко XVII века

Научные свершения XVII в. изменили картину мира, вскрыв трагическую глубину вселенной, человеческой души, судьбы человека. Они способствовали изменению общей атмосферы духовной и интеллектуальной жизни. Культурный человек того времени видел, как неустойчива быстротекущая жизнь, как летят “минуты, что подтачивают дни, дни, что грызут и пожирают годы” (Луис Гонгора). Чувство безграничности мира, трагической незащищенности человека, несопоставимости малой, бренной, страдающей песчинки человеческой жизни и неизменной, холодной, бесконечной бездны космоса – таковы духовные открытия барокко.

Отрылась бездна, звезд полна,
Звездам числа нет, бездне дна.

М.Ломоносов

Барокко задает вопросы, обращенные к небу, к человечеству, в никуда (риторический вопрос – излюбленная фигура барочной риторики):

Кто ты, о человек? Сосуд свирепой боли,

Арена всех скорбей, превратностей поток,
Фортуны легкий мяч, болотный огонек,
Снег, тающий весной, мерцанье свеч не боле…

Грифиус

В искусстве барокко сосуществовали несовместимые друг с другом противоположности, создавая своеобразную гармонию. А торжественная выразительность искусства барокко была соткана из контрастов.

Перед нами барочная картина мира:
Игралище времен, непостоянный род,
На сцене бытия в преддверии утраты
Тот вознесен, тот пал, тому нужны палаты,
Тому – дырявый кров, кто царствует, кто ткет.
Вчерашнее ушло, минутный счастья взлет
Сметает новый день и завтра в бездну канет,

Зеленая листва поблекнет и увянет,
И острие меча на нежный шелк падет.

Грифиус

Литературу барокко создавали многие другие знаменитые авторы. В их числе называют обычно итальянского поэта Т.Тассо, испанского драматурга Т.де Молина и П.Кальдерона (в пьесе “Жизнь есть сон” – герой понимает, что злую судьбу не победить местью, что главная победа в жизни – победа над самим собой, а не над другим; что остаток дней пролетит, как сон. И пробудившись в иной жизни, придется за все держать ответ), англичан Дж. Мильтона и Дж. Беньяна. Барочные черты исследователи находят и у Сервантеса, и в поздних произведениях У.Шекспира.

Каковы же характерные особенности литературы барокко

?

1) противопоставление жизни и смерти; 2)контрастность; 3) риторические вопросы; 4) чувство безграничности мира, трагической незащищенности человека; 5) образ изменчивости и непостоянства человеческой жизни.

4. Итальянская архитектура эпохи барокко

Говоря о стиле барокко, мы вспоминаем в первую очередь зодчество и связанный с ним комплекс изобразительных искусств. Каковы характерные особенности архитектуры барокко? Работа учащихся с текстом. (См. Приложение 1).

Своеобразие барокко – в художественном образе грандиозных городских и дворцово-парковых ансамблей, где представлены в синтезе разные искусства: архитектура, скульптура, живопись, декор. Почему в XVII в. одним из ведущих видов искусства стала архитектура? Время абсолютизма требовало таких архитектурных строительных форм, которые запечатлели бы и время, и правителя).

Для построек в стиле барокко характерны сложная динамика объемов, наслоение форм, обилие декоративных элементов, тяготение к изогнутой линии. В качестве декоративных элементов использовались завитки, скульптура. Ордер также становится чисто декоративным элементом: колонны стремятся расположиться попарно, иногда утраивались; фронтоны, антаблементы, карнизы разрываются, приобретая сложную форму. Большое значение имеет лестница, подчеркивающая напряженную динамику архитектурных форм. Архитектура барокко властно “втягивает” человека в свое пространство. Скульптура, живопись, ДПИ, как бы продолжая архитектурные формы, участвуют в создании единого ансамбля.

Лучшим из архитектурных ансамблей Италии XVII в. стала площадь перед собором св. Петра, спроектированная Лоренцо Бернини (1598–1680) в 1656–1667 г. Бернини оформил площадь перед собором как продолжение храма. Прямо от краев фасада далеко вперед протянулись крытые галереи – коридоры, образующие трапециевидное пространство, а от концов галереи разошлись с 2 сторон двумя рукавами колоннады из 284 колонн и 80 столбов высотой 19м каждый. Аттик колоннады украшают 96 статуй. Сам Бернини сравнивал рукава с объятиями церкви, готовой принять в свое лоно всех страждущих. По выражению Бернини, колоннады “подобно распростертым объятиям, захватывают зрителя и направляют его движение к главному фасаду, к алтарю”.

Очень интересна королевская лестница – “Скала реджа”, соединяющая собор св. Петра с Ватиканским дворцом. Первые колонны – громадные, при поднятии лестницы они уменьшаются и наверху сделаны под рост папы. В результате всем кажется, что папа громадного роста (игра с линией – обмануть глаза, создать иллюзию пространства). Благодаря этому выход папы на богослужение превращался в величественное зрелище.

Дж. Л. Бернини родился в 1528 г. в Неаполе. Когда ему было 10 лет, его отец, известный скульптор Пьетро Бернини, переехал по приглашению папы Павла V из Неаполя в Рим для работы над мраморной группой. Получивший к тому времени технические навыки обработки мрамора мальчик, попав в Ватикан, запирался в залах, рисуя с утра до вечера. О его даровании пошли слухи, он попался на глаза самому Павлу V, получил заказ от племянника папы и поразил всех, создав необыкновенные скульптурные произведения: “Похищение Прозерпины”, “Давид”, “Аполлон и Дафна”. Юный самоучка сумел добиться невероятной динамики масс и линий, отражающей эмоциональное напряжение персонажей, передал в мраморе нежность девичьей кожи, пушистые волосы Дафны, кору и листья лаврового дерева.

Посмотрите (скульптура “Дафна и Аполлон”): Бернини запечатлел в летящем движении момент превращения юной беззащитной Дафны, настигнутой легконогим Аполлоном, в лавр: жесткая кора уже наполовину скрыла нежное тело, углубляются в почву прорастающие корни, трепет гибнущего человеческого существа отзывается в шелесте распускающейся листвы. Бернини ловит кульминационный момент события. Предназначенная для парка виллы, скульптура органично сливается с зеленым шумом парка, с качанием ветвей, бликами солнца, тенями плывущих облаков и журчанием воды.

Папа Григорий IV наградил мастера рыцарским крестом ордена Христа и титулом “Кавалера”. Современники включили его в ряд “божественных творцов”, назвав наследником титанов эпохи Возрождения. Он так и не получил профессионального архитектурного образования: проектирование, расчеты, строительство вели помощники, работники мастерской.

Мемуаристы описывали его живым, темпераментным, полным огня, постоянно погруженным в разговоры об искусстве и в неустанные труды. Если его кто-нибудь хотел оторвать от работы, он сопротивлялся и говорил: “Оставьте меня, я влюблен”.

Бернини, блестяще одаренный архитектор, был не менее великим скульптором. Очень интересна композиция алтаря “Экстаз святой Терезы” (1645–1652 гг.) (Сообщение ученицы. См. Приложение 2).

Таким образом, самыми выдающимися мастерами барокко в Италии были Л.Бернини, создавший грандиозный ансамбль площадь св. Петра в Риме и др. постройки, многочисленные скульптуры фонтаны, и Франческо Борромини, по проектам которого были построены многие церкви в Риме.

Каковы же основные особенности итальянского архитектурного барокко?

1) тяготение к большим городским и садово-парковым ансамблям, где воедино сливаются архитектура, скульптура и живопись;

2) создание искривленного, иллюзорного пространства за счет текучести криволинейных форм и объемов;

3) пышная эффектность, представительность и театральная зрелищность архитектурного барокко.

5. Барокко в России

В России в XVII–XVIII вв. происходит изменение русского быта на европейский лад: а) введение европейского костюма; немецких и французских языков; б) насаждение приемов, вечеров; в) организация торжественных шествий, маскарадов. Все нововведения требовали и европейского типа дворцов, где можно было устраивать роскошные балы, торжественные приемы, давать богатые обеды. Сам Петр I больше тяготел к протестантской сдержанности архитектуры Голландии, но его дочь Елизавета Петровна, которую современники называли “веселый Елизафет”, склонялась к формам пышного итальянского барокко.

В годы правления ее (1741–1761) были созданы образцы русского барокко, отличавшегося от итальянского мирской жизнерадостностью и отсутствием религиозного мистицизма, а от немецкого и австрийского – подчеркнутой масштабностью и монументальным размахом архитектурных ансамблей.

(Просмотр видеофильма с показом Летнего дворца Д.Трезини и Зимнего дворца Растрелли)

Однажды императрица, проходя по пустым залам Зимнего дворца, случайно заметила картину Рубенса “Снятие с креста”. Долго любовалась этим полотном и вознамерилась устроить Галерею. С этого времени Екатерина II стала ревностно заниматься осуществлением этой мечты. Датой основания Эрмитажа принято считать 1764 г., когда в Петербург прибыла крупная партия картин западно-европейских художников. Это была коллекция берлинского купца Гоцковского, состоящая

Барокко в живописи — Википедия

Жи́вопись баро́кко, или баро́чная живопись, — живописные произведения периода барокко в культуре XVII—XVIII веков, тогда как в политическом плане исторический период разделяется на абсолютизм и контрреформацию.

Живопись барокко характеризуется динамизмом, «плоскостью» и пышностью форм, самые характерные черты барокко — броская цветистость и динамичность; яркие примеры — творчество Рубенса и Караваджо.

Художники в стиле барокко сознательно работали над тем, чтобы отделить себя от художников эпохи Возрождения и периода маньеризма после него. В своей палитре они использовали интенсивные и теплые цвета и, в частности — основные цвета: красный, синий и желтый, часто помещая все три в непосредственной близости. Барочная живопись включает в себя широкий спектр стилей, так как наиболее важная и основная живопись в период, начинающийся примерно с 1600 года и продолжающийся в течение 17-го века, и в начале 18-го века, идентифицируется сегодня как барочная живопись. Наиболее типичными проявлениями барокко в искусстве являются: большой драматизм, насыщенный, глубокий цветом и интенсивные светлые и темные тени. Искусство барокко предназначалось для того, чтобы вызывать эмоции и страсть, а не спокойную рациональность, которая ценилась в эпоху Возрождения. В отличие от спокойных лиц картин эпохи Возрождения, лица в картинах барокко четко выражали свои эмоции. Художники часто использовали асимметрию, когда действие происходило вдали от центра изображения, и создавали оси, которые не были ни вертикальными, ни горизонтальными, а наклонялись влево или вправо, создавая ощущение нестабильности и движения. Они усиливали это впечатление движения, когда костюмы персонажей уносились ветром или двигались по собственной траектории. Общие впечатления были от движения. Другим важным элементом живописи барокко была аллегория. Каждая картина рассказывала историю и имела сообщение, часто зашифрованное аллегорическими символами, которые образованный зритель должен был знать и читать.

Развитой художественной теории периода барокко не было создано ни в Италии, на его родине, ни в других странах. Только отдельные характерные черты барокко были описаны в сочинениях его современников: Марко Боскини (итал.)русск., Пьетро да Кортона, Бернини, Роже де Пиля (фр.)русск.. В рассказах Боскини о достоинствах венецианской живописи принципы барокко не были чётко сформулированы, но сам характер сравнений и форма описания свидетельствуют о предпочтениях автора, выражаемых им не античной скульптуре и Рафаэлю, а Тициану, Веронезе, Веласкесу и Рембрандту[1]. Боскини подчёркивал главенствующую роль барочного колорита, а также несовпадение живописной формы с пластической. В комментариях о выразительности возможности живописи пятном и об оптической иллюзии слияния мазков у Боскини проявился тип мировосприятия, близкий барочному[2].

Пьетро да Кортона сравнивает картины эпохи барокко не с трагедией, что характерно для картин классицизма, а с эпической поэмой и присущей ей широтой повествования, множеством разнородных сюжетов, красочностью и свободной композицией. В академических спорах с Андреа Сакки последователи Пьетро да Кортона отстаивали преимущества барочного изображения, которое не требовало от зрителя тщательного анализа каждой фигуры и внимательного «чтения» сюжета для раскрытия всех оттенков смысла, а развертывало перед смотрящим «сияющий, гармоничный и живой общий эффект, способный вызвать восхищение и изумление»[3][4].

Микеланджело Меризи, которого по месту рождения близ Милана прозвали Караваджо, считают самым значительным мастером среди итальянских художников, создавших в конце XVI века новый стиль в живописи[5]. Его картины, написанные на религиозные сюжеты, напоминают реалистичные сцены современной автору жизни, создавая контраст времен поздней античности и Нового времени. Герои изображены в полумраке, из которого лучи света выхватывают выразительные жесты персонажей, контрастно выписывая их характерность. Последователи и подражатели Караваджо, которых поначалу называли караваджистами, а само течение караваджизмом[6], переняли буйство чувств и характерность манеры Караваджо, так же как и его натурализм в изображении людей и событий. Болонский академизм, противопоставляемый караваджизму, представляли Аннибале Карраччи и Гвидо Рени.

В итальянской живописи эпохи барокко развивались разные жанры, но в основном это были аллегории, мифологический жанр. В этом направлении преуспели Пьетро да Кортона, Андреа дель Поццо, Джованни Баттиста Тьеполо, братья Карраччи (Агостино и Лодовико). Прославилась венецианская школа, где большую популярность получил жанр ведуты, или городского пейзажа. Самый прославленный автор таких работ — Д. А. Каналетто. Не менее известны Франческо Гварди и Бернардо Беллотто. Каналетто и Гварди писали виды Венеции, тогда как Беллотто (ученик Каналетто) работал в Германии. Ему принадлежат многие виды Дрездена и других мест. Сальватор Роза (неаполитанская школа) и Алессандро Маньяско писали фантастические пейзажи. Последнему принадлежат архитектурные виды, и к нему очень близок французский художник Юбер Робер, работавший в то время, когда вспыхнул интерес к античности, к римским развалинам. В их работах представлены руины, арки, колоннады, древние храмы, но в несколько фантастическом виде, с преувеличениями. Героические полотна писал Доменикино, и живописные притчи — Доменико Фетти.

Во Франции барочные черты присущи парадным портретам Иасента Риго. Самая известная его работа — портрет Людовика XIV. Творчество Симона Вуэ и Шарля Лебрена, придворных художников, работавших в жанре парадного портрета, характеризуют как «барочный классицизм». Настоящее превращение барокко в классицизм наблюдается в полотнах Никола Пуссена.

Более жесткое, строгое воплощение получил стиль барокко в Испании, воплотившись в работах таких мастеров как Веласкес, Рибера и Сурбаран. Они придерживались принципов реализма. К тому времени Испания переживала свой «Золотой век» в искусстве, находясь при этом в экономическом и политическом упадке.

Для искусства Испании характерна декоративность, капризность, изощренность форм, дуализм идеального и реального, телесного и аскетичного, нагромождения и скупости, возвышенного и смешного. Среди представителей:

Доменико Теотокопули (Эль Греко) — художник рубежа XVI—XVII вв. Он был глубоко религиозен, поэтому в его искусстве представлены многочисленные варианты религиозных сюжетов и празднеств: «Святое семейство», «Апостолы Петр и Павел», «Сошествие святого духа», «Христос на Масличной горе». Эль Греко был великолепным портретистом. Всегда изображаемое он трактовал как ирреальное, фантастическое, воображаемое. Отсюда деформация фигур (элементы готики), предельные колористические контрасты с преобладанием темных цветов, игра светотени, ощущение движения…

  • «Портрет поэта Эрсильи-и-Суньиги»,
  • «Портрет кардинала Тавера»,
  • «Портрет неизвестного».

Но не его картины украшали пышный испанский двор. Среди художников, работавших при дворе Филиппа II, были

  1. Франсиско Сурбаран (1598—1664) — «Отрочество Богоматери», «Младенец Христос». Главное в его картинах — ощущение святости, чистоты; простое композиционное решение, плавность линий, плотное цветовое решение, материальность, вещественность, богатство колорита, величавость, сдержанность, реальность жизни, соединенные с мистичностью веры, высокой духовностью, эмоциональной напряженностью.
  2. Хусепе Рибера (1591—1652). Основные сюжеты его картин — мученичество святых, портреты людей, проживших долгую жизнь. Но его работы не сентиментальны. Он более всего не хотел, чтобы его модели вызывали жалость. В них — истинно испанская народная гордость. Например, «Хромоножка», «Святая Агнесса», «Апостол Яков-старший».

Казалось, что испанская живопись никогда не выйдет из «стен» храмов. Но это сделал Диего Веласкес (1599—1660) — великолепный мастер психологического портрета, живописец характеров. Его картины отличаются многофигурной сложностью композиций, многокадровостью, предельной детализацией, прекрасным владением цветом. Веласкес — великий полифонист живописи. «Завтрак», «Портрет Оливареса», «Шут», «Сдача Бреды» («Копья»), «Пряхи».

Художником, завершившим «золотой век» испанской живописи, был Бартоломе Эстебан Мурильо. Он, отчасти, продолжил бытовую линию, намеченную Веласкесом. «Девочка с фруктами», «Мальчик с собакой». Но в зрелые годы творчества все чаще обращался исключительно к библейским сюжетам: «Святое семейство», «Бегство в Египет». В этих работах он выступает как блестящий колорист, мастер композиции. Но как далеко ушла эта живопись от глубоко человеческих страстей лучших испанских полотен.

Период расцвета фламандского барокко приходится на 1 пол. XVII века и представлен творчеством Рубенса, Ван Дейка, Йорданса, Снейдерса. Законодателем в новом стиле стал Питер Пауль Рубенс. В ранний период барочная стилистика воспринимается Рубенсом через призму живописи Караваджо — «Воздвижение креста», «Снятие с креста», «Похищение дочерей Левкиппа». Переходом к зрелой фазе творчества художника стал большой заказ цикла картин «Жизнь Марии Медичи». Картины театральны, аллегоричны, манера письма выразительна. Рубенс демонстрирует невероятную жизнеутверждающую силу барокко, его портреты, особенно женские, открывают этот неиссякаемый для него источник радости. В последний период творчества Рубенс продолжает тему вакханалий — «Вакх» — откровенно телесное восприятие жизни.

В Голландии сложилось несколько школ живописи, объединявших крупных мастеров и их последователей: Франца Халса — в Харлеме, Рембрандта — в Амстердаме, Вермеера — в Делфте. В живописи этой страны барокко носило своеобразный характер, ориентируясь не на эмоции зрителей, а на их спокойное, рациональное отношение к жизни. Рембрандт это подчёркивал в следующих словах: «Небо, земля, море, животные, люди, — всё это служит для нашего упражнения».

Художники барокко открыли искусству новые приемы пространственной интерпретации формы в её вечно изменчивой жизненной динамике, активизировали жизненную позицию. Единство жизни в чувственно-телесной радости бытия, в трагических конфликтах составляет основу прекрасного в искусстве барокко.

  1. ↑ [Jannaco C., Marco Boschini e la poetica barocca, in Studi secenteschi, II, 1962]
  2. ↑ [De Boer W., Marco Boschini, I gioieli pittoreschi. Virtuoso ornamento della città di Vicenza, Edizione critica illustrata con annotazioni, 2008, Флоренция]
  3. ↑ [E. Waterhouse. Italian baroque Painting. London, 1962. С. 58.]
  4. ↑ Свидерская М. И. Барокко XVII столетия. Система художественного видения и стиль
  5. ↑ Х. В. Янсон, Э. Ф. Янсон. Основы истории искусств. Санкт-Петербург, Россия, 1996 г. Ч.3, с.286-324.
  6. ↑ A Guide to Art. S.Sproccati ed. Little, Brown and Company (UK) Ltd. 1992. P.87-97.

в архитектуре, искусстве, живописи, музыке, литературе

В конце XVI века в Риме (Roma) начинается новая культурная эпоха, которую часто ограничивают понятием «художественный стиль». Сменив Поздний Ренессанс, Барокко (barocco) в Италии охватывает период конца XVI − начала XVIII века.

Разнообразие жанров, региональных школ, объединений художников мешают искусствоведам правильно оценить эпоху. Сторонники стиля считают, что грандиозная пластика стремится к красоте, продолжает традиции Возрождения и маньеризма.

Противники уверены, что барокко − безвкусица, кризисная стадия развития художественного творчества. Эмануэле Тезауро (Emanuele Tesauro) знал подход к решению проблемы. Итальянский философ XVII века утверждал: чтобы понять искусство барокко требуется «острый ум», особый способ мышления: способность воспринимать метафоры и аллегорию, умение быстро проникать в суть идей Мастера.

Значение термина

Ни одно происхождение названия стилей в истории искусства не вызывает столько споров, сколько «барокко». Впервые термин употребили в XVIII веке Иоганн Иоахим Викельман (Johann Joachim Winckelmann) и Франческо Милициа (Francesco Milicia). Историки искусства вкладывали в эпитет «барочный» негативный смысл и применяли к творчеству, противоречащему правилам эстетики классицизма.

В списке представлены примеры толкований термина:

  • Название относится к фигуральному искусству
  • Язвительная насмешка, негативный смысл: нелепый, странный, «с причудой»
  • Barroco (французский язык) – дурной, вычурный, неестественный вкус
  • Perola barroca (португальский) – нестандартная жемчужина без оси вращения (термин ювелиров)
  • Barocco (итальянский) – приём софистики; форма логики, приводящая к абсурду
  • Bis-roca (латынь) – камень скрученной формы. Драгоценный минерал, но с дефектом. Имитация красоты
  • Barocco (итальянский) – термин связан с именем крупнейшего художника раннего барокко
  • Федерико Бароччи (Federico Barocci) – крупнейший итальянский художник и график эпохи позднего маньеризма и раннего барокко.
  • Заимствование из архитектуры центрально-азиатских турок (сельджуков)

Рим – родина барокко

Центром развития нового стиля искусства был Рим. Столица католического мира не утратила опыта Ренессанса. «Отцом» итальянского барокко называют Микеланджело Буонарроти (Michelangelo di Lodovico Buonarroti). Крупнейший мастер Возрождения разработал новые композиционные формы для библиотеки папы Климента VII (1523 − 1534) – архитектурное сооружение считается первообразом всех зданий стиля барокко.

В 1593 году в Риме начинает творческую деятельность реформатор живописи Микеланджело Караваджо (Michelangelo Merisi da Caravaggio). Изменившиеся политические условия диктуют новые правила поведения. Церковь и аристократия нуждаются в демонстрации могущества. Барокко − стиль, который может их возвысить.

Роль церкви. Контрреформация

Историк классического искусствоведения Джулио Карло Арган (Италия) назвал время итальянского барокко «культурной революцией во славу идеологии католицизма». В ответ на протестантскую Реформацию католики начинают церковно-политическое движение − Контрреформацию.

Главная задача реформы заключалась в обновлении Римско-католической церкви, восстановлении её престижа.

🇮🇹 НАШ ОФИЦИАЛЬНЫЙ ИНСТАГРАМ🇮🇹 Инстаграм гида в ИталииИнстаграм гида в Италии

Визуально представить власть и могущество могло только искусство, с помощью которого можно ошеломить, привлечь внимание, заинтересовать. Простым церквям протестантов противопоставляют католические храмы, украшенные богатой позолотой, орнаментом, величественными лестницами. Собор святого Петра (Basilica Sancti Petri) в Ватикане − образец нового стиля. Прототипом для церквей итальянского барокко считают римскую церковь Иль-Джезу (Chiesa del Sacro Nome di Gesu), построенную по дизайну Джакомо да Виньола (Il Vignola).

История развития стиля

Мастера барокко отходят от художественных традиций Ренессанса. Развитие искусства происходит в два периода:

  1. Раннее барокко. Временные рамки: конец XVI − начало XVII века.
  2. Зрелое барокко: 30-е годы XVII − начало XVIII века.

Раннее барокко развивалось неравномерно и зависело от местных особенностей. Черты стиля вырабатываются в архитектуре и живописи. Колыбель Ренессанса − Флоренция (Firenze) − остаётся равнодушной к особенностям нового искусства. Рим (Roma) не жалеет средств на реконструкцию города.

Венеция (Venezia), Турин (Torino), Генуя (Genova) придают архитектурным сооружениям утончённый и праздничный вид. Признанные представители раннего барокко: Джакомо Бароцци да Виньола (Il Vignola, 1507 − 1573), Джакомо делла Порта (Giacomo della Porta, 1533 − 1602), Доменико Фонтана (Domenico Fontana, 1543 − 1607), Микеланджело Меризи да Караваджо (Michelangelo Merisi da Caravaggio,1571 − 1610).

Зрелое барокко начинается после 1630 года. Доминирующим видом искусства становится скульптура. Период характеризуется усилением пышности архитектуры. Появляются новые формы: украшенные скульптурой фонтаны, гроты, балюстрады. Культовое зодчество позднего барокко представляют опытные мастера: Джованни Лоренцо Бернини (Giovanni Lorenzo Bernini, 1598 − 1680), Гварино Гварини (Guarino Guarini, 1624 − 1683), Карло Райнальди (Carlo Rainaldi, 1611 − 1691).

Особенности стиля

Появление нового художественного стиля нельзя объяснять только влиянием католической церкви. Культурная эпоха связана с крушением идеалов гуманизма, новым пониманием природы Человека, изменением «картины мира» (рубеж XVI-XVII веков). От Ренессанса искусство Барокко унаследовало пышность и основательность, от маньеризма − глубокую эмоциональность и динамичность.
Характерные черты стиля в архитектуре:

  • монументальность;
  • пространственный размах;
  • сложный криволинейный план;
  • использование светотени, колоннад, куполов;
  • массивные парадные лестницы;
  • подчёркнутое величие церкви;
  • великолепие.

Итальянская барочная скульптура

Новые элементы зодчества появляются после слияния архитектуры и скульптуры: статуя атланта (теламон), колонна в виде фигуры женщины (кариатида), скульптурное украшение маскарон, обелиск. Самый известный скульптор периода — Джованни Лоренцо Бернини (Giovanni Lorenzo Bernini). Лучшая работа — скульптурная группа «Экстаз Святой Терезы» (Estasi di santa Teresa d’Avila).
Характерные черты стиля:

  • театральность;
  • изображение группы человеческих фигур в энергичном движении;
  • использование белого мрамора;
  • возможность осматривать статуи с нескольких углов обзора;
  • слияние скульптуры с живописью и архитектурой;
  • изобилие скульптурных фигур на фасадах, в парковых зонах дворцов.

Живопись

Итальянская живопись XVII столетия начинает терять исключительное положение в Европе.
Передовым для эпохи остаётся художественное творчество в архитектуре. Искусствоведы разделяют барочную живопись на три типа: церковную, придворную, буржуазную. Новые жанры используют не только мифологические и религиозные темы. Внимание художников фокусируется на реальной жизни.
Особенности барочной живописи:

  • динамизм композиций;
  • незаурядность сюжетов;
  • драматический конфликт;
  • использование аллегории;
  • контраст цвета, тени, масштабов;
  • парадные портреты, создающие иллюзию эмоционального контакта;
  • пышность форм.

Человек эпохи

Мировосприятие в период барокко меняет ренессансное представление о человеке. Итальянская культура нового времени представляет человека песчинкой в мире великой природы. Бог − это Великий Архитектор. Люди должны учиться у высшего разума.

Барокко в искусстве

Современное искусствоведение рассматривает итальянское барокко как художественную эпоху, начавшую движение западной цивилизации к триумфу.

Архитектура

Первыми, кто представил художественный стиль в начале XVII столетия, были архитекторы. Радикальный представитель итальянского барокко Франческо Борромини (Francesco Borromini) закладывает основы для последующего развития европейской архитектуры. Благодаря Борромини Италию называют родиной архитектурного барокко.

Франческо Борромини (1599 − 1667)

Совместно с Лоренцо Бернини архитектор работал над проектом 29-ти метрового балдахина в соборе святого Петра (Basilica di San Pietro) в Ватикане (Stato della Citta del Vaticano). Витые колонны украшены ветвями лавра. Четыре статуи отцов церкви поддерживают кресло святого Петра. Киворий покрыт бронзой, взятой из Пантеона. Имя резкого, неистового Франческо осталось в тени. Слава досталась его сопернику Лоренцо Бернини.

В историю собора вошла высокая решётка из бронзы для капеллы святого Причастия, выполненная по эскизам Борромини в 1630 году.

Выдающийся архитектор принимал участие в реконструкции кафедрального римского собора Святого Иоанна Крестителя на Латеранском холме (Basilica di San Giovanni in Laterano).

собора Святого Иоанна Крестителя на Латеранском холме в Риме

собора Святого Иоанна Крестителя на Латеранском холме в Риме

За четыре года работы (1646 − 1650) он обогатил базилику элементами барочной архитектуры, спроектировал ниши главного нефа, сделал эскизы статуй святых и пророков. Автор проектов величественных дворцов руководил строительством палаццо Барберини (Palazzo Barberini, 1629 − 1633) в Риме.

Винтовая лестница в виде улитки, двойные колонны, причудливые детали восхваляли могущество Маффео Барберини (Maffeo Barberini), избранного в 1623 году папой Римским (Урбан VIII).

Филиппо Юварра (1678 − 1736).

Римский зодчий, яркий представитель позднего барокко, Филиппо Юварра (Filippo Juvarra) строил в Италии церкви, палаццо герцогов, проектировал королевский дворец в Испании (Palacio Real de Madrid).

Барочные находки Франческо Борромини вдохновили архитектора на создание в 1732 году купола церкви Сант-Андреа в Мантуе (Basilica di Sant’Andrea). В Турине сооружены дворцовый комплекс палаццо Мадама (Palazzo Madama, 1721), загородная резиденция монархов Савойской династии − стильный охотничий замок Ступиниджи (Palazzina di caccia di Stupinigi). Важнейшие постройки − собор Суперга (Basilica di Superga) и палаццо Бираго ди Боргаро (Palazzo Birago di Borgaro).

Собор Суперга

Строительство пышной католической базилики Суперга началось в 1717 году.

Базилика Суперга в Турине

Базилика Суперга в Турине

Архитектор барочного стиля Филиппо Юварра воздвиг храм, ставший «соперником колоссального собора святого Петра и Павла в Риме» (М.Н. Загоскин).

Палаццо Бираго ди Боргаро

В 1716 году граф Ренато Аугусто Боргаро (Augusto Renato Birago di Borgaro) поручил архитектору построить дворец в Турине. Особенности сооружения: величественная лестница, многочисленные колонны, украшенный статуями главный зал для торжественных приёмов и балов, чередование изогнутых и треугольных фронтонов на окнах.

Пирро Лигорио

Художник итальянского барокко, антиквар, инженер Пирро Лигорио (Pirro Ligorio) был архитектором папского двора Пия IV (1559 − 1565). После критики проекта Микеланджело Буонарроти по сооружению собора Святого Петра, Пирро Лигорио теряет престижную должность и возвращается на службу к Ипполито II д’Эсте (Ippolito II d’Este).

В 1567 году по заказу кардинала архитектор приступает к проектированию фонтанов и парка виллы в Тиволи. Мастер строит сад в соответствии с символикой династии д’Эсте, связанной с прародителем рода − Гераклом. Сорок два водоёма, окружающие виллу, создают «Кипящую лестницу».

фонтаны в Тиволи на вилла д Эсте

фонтаны в Тиволи на вилла д Эсте

Грандиозное сооружение «Дорога ста фонтанов» построено в соответствии с сюжетом «Метаморфоз» Овидия. Знакомство с «Фонтаном Органа» вызвало восторг современников. При попадании воды в сводчатую ёмкость, воздух проникал в органные трубочки и вызывал звуки музыки. После масштабной реставрации ландшафтной архитектуры, созданной Пирро Лигорио, объект назван самым красивым парком Европы (2007).

Скульптура

В эпоху барокко скульптура тесно связана с живописью и архитектурой. Меняется техника ваяния. Скульпторы отказываются от понятия пластического покоя. Наиболее знаменитым скульптором итальянского барокко признан Лоренцо Бернини, которого искусствоведы назвали «Микеланджело XVII столетия».

Джованни Лоренцо Бернини

Основатель барочного стиля в скульптуре осуществлял масштабные проекты. Джованни Лоренцо Бернини посвятил 50 лет творческой жизни украшению Собора Святого Петра в Ватикане.

Скульптуры в Соборе Святого Петра в Ватикане

Скульптуры в Соборе Святого Петра в Ватикане

Работая над статуями религиозных сюжетов, скульптор и главный архитектор Базилики (1629) использует белый мрамор, скрытый свет для усиления эффекта богослужения.

В руках мастера твёрдый блестящий камень становился послушным и пластичным. Скульптуры «оживали», передавая изгибы и теплоту человеческого тела.

Классический пример − работа «Экстаз святой Терезы» (1645 − 1652).

Экстаз святой Терезы, скульптура Бернини

Экстаз святой Терезы, скульптура Бернини

Историк искусства Эрнст Гомбрих (1909 − 2001) дал оценку произведению мастера, написанному для римской церкви Санта Мария делла Витториа (Santa Maria della Vittoria): «Барочный скульптор довёл религиозное чувство до исступления. Лоренцо Бернини нагнетает эмоции до предельного накала и не опасается преступить грань дозволенного. Подобного образа ещё не было в истории искусства».

Давид

Скульптор обращается к античным сюжетам, но создаёт образы в свойственной ему манере. «Давид» Бернини (1623) не похож на героя произведений Микеланджело Буонарроти и Донателло (Donatello).

скульптура Давид, Бернини находится в галерее Боргезе

скульптура Давид, Бернини находится в галерее Боргезе

Автора интересует правдоподобный показ убийства Голиафа. Тонкие губы юного Давида упрямо сжаты, маленькие глаза наполнены злостью, гримаса на лице выдаёт явные намерения. Динамичная фигура заставляет зрителя представить траекторию броска камня.

Римские фонтаны

Творения Бернини − шедевры аллегории и зрелищности. Величественные фонтаны с сюжетной линией выполнены в Риме по заказу папы Урбана VIII.

Фонтан Тритона

Лоренцо Бернини завершает строительство фонтана Тритона (Fontana del Tritone) в 1642 году.

Площадь Барберини в Риме, фонтан Тритона, Бернини

Площадь Барберини в Риме, фонтан Тритона, Бернини

Постамент, выполненный из травертина, образуют скульптуры четырёх дельфинов, между которыми находится герб папы Римского. В огромной раковине, установленной на хвостах морских животных, помещена статуя Тритона. Сын Посейдона выдувает из раковины струю воды.

Фонтан пчёл

В 1644 году архитектор по приказу великого понтифика устанавливает фонтан пчёл (Fontana delle Api), предназначенный для нужд горожан.

фонтан пчёл в Риме, Бернини выполнил по заказу Барберини

фонтан пчёл в Риме, Бернини выполнил по заказу Барберини

По створкам раскрытой раковины к воде спускаются три пчелы − символ династии Барберини.

Фонтан четырёх рек

Период строительства фонтана четырёх рек (Fontana dei Quattro Fiumi): 1648-1651 годы.

Фонтан четырех рек в Риме на площади Навона

Фонтан четырех рек в Риме на площади Навона

Расположенный в середине фонтана обелиск, демонтированный из древнего храма Исиды, окружают скульптуры мифологических богов. Фигуры символизируют главные реки четырёх частей света: Нил, Ганг, Дунай, Ла-Плата. Композиционное расположение духов, их одеяния, динамичные движения аллегорично представляют истории из древних мифов.

Барокко в живописи

В XVI − XVII столетиях в Италии формируются два главных направления в живописи:

  1. «Болонский академизм», созданный братьями Карраччи.
  2. Творчество Караваджо, самого крупного художника стиля барокко.

Микеланджело Меризи да Караваджо

Именем самого значительного художника, работающего в стиле барокко, названо реалистическое течение в искусстве западной Европы (караваджизм). Микеланджело Меризи был противником «болонского академизма» и считался бунтарём.

Он уделял внимание необычным персонажам: картёжникам, авантюристам, шулерам. Картины мастера открыли новый жанр в искусстве − реалистический бытовой портрет («Игроки», 1594 − 1595; «Лютнист», 1595). Увлечённость натурализмом в изображении людей и событий находит отражение в картине «Обращение Савла» (1601).

Обращение Савла картина Караваджо

Обращение Савла картина Караваджо

Религиозный сюжет использовали живописцы до Караваджо. На картинах художников главное внимание уделялось библейским персонажам. Барочный мастер новаторски смело рисует мощный круп лошади на всей верхней части полотна, реалистично изображает сморщенный лоб, натруженные ноги, редкие волосы конюха.

Революционный для того времени прием используется в картине «Успение Марии» (1606). Натуралистическая трактовка образа не понравилась заказчикам. Монахи не приняли картину мастера.

Поиски новых приёмов в творчестве не заслоняют основные достоинства произведений − пластичность, драматизм, эмоциональную выразительность. Лучшие картины: «Положение во гроб» (1602 − 1604), «Распятие Святого Петра» (1601).

Погребение Христа картина Караваджо в пинакотеке Ватикана

Погребение Христа картина Караваджо в пинакотеке Ватикана

Трое палачей прикладывают большие усилия, чтобы перевернуть тяжёлый крест с распятым апостолом. Ответственность за преступление лежит на тех, кто совершает казнь Святого Петра.

Советую почитать:

Фрески семьи Карраччи

Против Караваджо выступили Аннибале, Агостино, Лодовико, Антонио Карраччи (Annibale, Lodovico, Agostino, Antonio Carracci). Братья противопоставили караваджизму «болонский академизм». Семья художников создала в Болонье «Академию»» (1585).

Специальная программа была предназначена «вступившим на истинный путь» живописцам. Принципы болонской школы стали прообразом всех будущих европейских академий.

Братьев признали мастерами монументально-декоративной живописи. По поручению кардинала Одоардо Фарнезе (Odoardo Farnese) Карраччи работают над фресками и галереей (1595-1604) в римском палаццо Фарнезе (Palazzo Farnese).

 фрески Караччи в римском палаццо Фарнезе (Palazzo Farnese)

 фрески Караччи в римском палаццо Фарнезе (Palazzo Farnese)

Совместная работа представляет 13 главных картин: любовные приключения греческих богов, триумфальное шествие Вакха и его свиты, супружеский союз членов династии, другие классические сюжеты. Цельная работа является образцом величайшего произведения раннего барокко.

Литература

Стихотворное творчество первым воспринимает идеи новой эпохи. Поэты считают реальный мир иллюзией. Произведения наполнены метафорами, символами, аллегориями. Исследователи литературы выделяют две стилевые линии в творчестве итальянских писателей конца XVI − начала XVIII веков:
• Аристократическое, элитарное барокко.
• «Низовое» демократическое направление с низменными сюжетами и пародиями.

Джамбаттиста Марино

Родоначальником барочной поэзии был Джамбаттиста Марино (Giambattista Marino, 1569-1625). Поэт находился под покровительством кардинала Пьетро Альдобрандини (Pietro Aldobrandini) и герцога Савойи Карла Эммануила Великого (Carolus Emmanuel Magnus).

Сборники стихов «Лира» (La Lira, 1608 − 1614), «Эпиталамы» (Epitalami, 1616) являются образцом придворной поэзии. Лирические сонеты написаны в привычных формах Ренессанса, но наполнены новым содержанием. Характерный приём − использование метафор, словесная игра сочетаний с противоположным значением («учёный невежда», «богатый нищий»), пасторальные мифологические сюжеты.

Поэт отходит от ренессансного понятия универсальной гармонии и утверждает: миром правит дисгармония. Автор произведения «Слово о музыке» представляет Бога дирижёром хоровой капеллы, распределившим роли между людьми и животными, белыми и чёрными клавишами. Люцифер был первым музыкантом, поддавшимся «диссонансу ада» и сбившимся с нот.

Разгневанный маэстро бросил партитуру на землю, которая стала домом для людей. Творчество придворного поэта легло в основу маринизма − литературного направления эпохи барокко в Италии.

Эмануэле Тезауро

Теорию литературы нового стиля сформулировал итальянский историк, писатель Эмануэле Тезауро (Emanuele Tesauro) в трактате «Подзорная труба Аристотеля» (Il cannochiale aristotelico), опубликованном в 1654 году. Автор назвал произведение главной своей работой, над которой трудился 40 лет.

Теоретик искусства утверждал: литература живёт по своим законам, не связанным с логикой и рациональным мышлением. Новое искусство «быстрого разума» напоминает фокусника, умело использующего Метафору − «Мать поэзии и Остроумия». «Подзорная труба…» следит за всеми удивительными и неожиданными открытиями. Философ восторгается победой человеческой мысли, проникшей с помощью телескопа в загадки Вселенной. Определив критерии прекрасного и отвратительного, Эммануэле Тезауро сформулировал понятие идеала в искусстве своего времени.

Музыка

Период 1630-1750 гг. называют «музыкой барокко». Термин, указывающий на конкретный жанр музыкального искусства, стали применять только в начале XX века. Барочный стиль отличает грандиозность, патетическая приподнятость, театральность, синтез искусств.

Ведущие жанры −опера, оратория, кантата.

Музыкальные инструменты: клавишные (орган, клавесин), струнные смычковые (скрипка, виола, контрабас, виолончель), струнные щипковые (лютня, мандолина, барочная гитара) медные и деревянные духовые, ударные (литавры).
Основными направлениями творчества остаются духовная и светская музыка.

Грегорио Аллегри

Композитор Грегорио Аллегри (Gregorio Allegri, 1582 -1652) был священником, пел в хоре Сикстинской Капеллы (Cappella Sistina) в Ватикане. В 1630 году Аллегри первым написал музыку к тексту знаменитой «Мизерере» (Miserere). Папские певчие долгое время держали ноты в секрете. По легенде через сто лет (в 1770 году) 14-летний Вольфганг Амадей Моцарт (нем. Wolfgang Amadeus Mozart) по памяти записал услышанную мелодию и раскрыл секрет церковников.

В настоящее время Псалом 50 (покаянный) постоянно исполняют в богослужениях католической церкви. Незабываемую барочную музыку можно услышать в видео

Сальватор Роза

Художник, поэт, гравёр, музыкант Сальватор Роза (Salvator Rosa, 1615-1673) был противоречивой знаменитостью Италии. Картина «Титий» (1639) принесла славу живописцу на римской выставке конгрегации «Виртуозы Пантеона».

Но за скандальное полотно «Фортуна» (1658 − 1659) инквизиция пыталась привлечь художника к суду. Разносторонне одарённый человек был отличным музыкантом: играл на арфе, лютне, флейте, гитаре.

Сальватор Роза написал несколько серенад − донцелл, которые пользовались огромной популярностью в Неаполе (Napoli). Вечерние песни трубадуров горожане каждый день распевали под окнами возлюбленных. Незаурядный представитель эпохи итальянского барокко вызвал большой интерес у композиторов XIX века. Ференц Лист написал фортепианную пьесу, которую назвал «Канцонетте Сальваторе Розы» (1849). Бразильский дирижёр и композитор Гомис Антониу Карлус посвятил художнику и музыканту оперу «Сальваторе Розе» (1874).

Мода

В отличие от универсального искусства, Италия эпохи барокко не была законодательницей европейской моды. Человек, подчинённый тяготам земной жизни, перестал быть центром мира.

Модной становится скромность, бледность кожи, украшенная лентами и шнурами одежда. Мужчины носили панталоны с завязками под коленями, короткие куртки с широкими рукавами. Женщины одевали корсеты и неширокие юбки. Яркими остаются итальянские шерстяные и шёлковые ткани. В XVII веке начинается рост производства атласа, бархата, муара. Увеличивается спрос на венецианские кружева, появившиеся в Италии ещё в XV столетии.

Художники декоративно-прикладного искусства Niccolo Zoppino (1527), Bugato (1527) разработали неповторимые узоры и орнаменты для создания кружев, которые превращаются в надёжную валюту и подчёркивают статус в обществе.

Венецианские кружева заказывают для коронованных особ и придворных Англии и Франции. В XVI веке в Италии рождается знаменитое кружево «Ретичелла» (reticello), ставшее позже разновидностью техники Ришелье.

кружево «Ретичелла» (reticello) в моде стиль Барокко

кружево «Ретичелла» (reticello) в моде стиль Барокко

Изменения в обществе наметились в первой половине XVII века. К 60-ым годам все итальянцы стали одеваться по французской моде. Идеальным образом мужчины становится нежный, пахнущий духами синьор в напудренном парике. Женщина с вычурной причёской носит корсет и туфли на каблуках. Отличительная особенность костюма − контрастные цветовые сочетания, вышивки, кружева. До XIX века итальянцы носили парики, уложенные по версальской моде.

Заключение

Италия внесла в мировую культуру вклад исключительной важности. Эпоха конца XVI − начала XVIII века сформировала новое искусство, которое стало универсальным. Стиль барокко медленно вызревал, чтобы взорваться именами великих творцов, изменивших ход развития западноевропейского искусства.

↘️🇮🇹 ПОЛЕЗНЫЕ СТАТЬИ И САЙТЫ 🇮🇹↙️ ПОДЕЛИСЬ С ДРУЗЬЯМИ

Образование в эпоху барокко | Понятия и категории

Как говорит нам «Энциклопедия», в XVIII веке под воспитанием понимали прокормление, воспитание и обучение детей. Необходимо было заботиться об их теле, нравственным воспитанием формировать дух и учить их полезным вещам. Прежде дети были чуть ли не брошены на произвол судьбы; некоторые имели возможность получить религиозное образование, но большинство получало уроки жизни на улице. Правительства века Просвещения восприняли его образовательную программу, чтобы избавить воспитание и образование от влияния Церкви и улицы. Смысл этого проекта был в желании государства внедриться в частную жизнь людей и взять на себя ту роль, которую много веков играла Церковь. Образование стало для государств программой первостепенной важности, поскольку предполагалось, что хорошая школьная система взрастит «хороших» граждан, «полезных» обществу, не столь восприимчивых к религиозным идеям, а также к влиянию социальной среды и семьи.

В Неаполе правительство Бурбонов именно на почве образования наиболее жестко столкнулось с церковными властями. Как правило, во всех странах, в том числе и в Неаполе, системой воспитания и образования детей руководили иезуиты. Эту роль они играли до 1767 г., когда были изгнаны из королевства (см. гл. VI, раздел «Столкновение государства с Церковью»). С тех пор власть решила сама прямо заниматься школьными вопросами.

В первое время она не могла сделать ничего, кроме как доверить должности, оставшиеся вакантными после иезуитов, другим духовным лицам по выбору епископов. Постепенно государство пыталось провести линию более автономной образовательной политики, однако не тревожа подозрительности религиозных властей. Королевский указ 15 сентября 1767 г. повелел, чтобы в неаполитанских школах преподавались:

— чтение, письмо и арифметика;

— латинский и итальянский языки и грамматика;

— греческая грамматика;

— логика и искусство умозаключений;

— геометрия;

— физика;

— обязанности человека;

— христианский катехизис;

— священная и гражданская история.

Настоящая проблема состояла не в том, чтобы организовать обучение, а в преподавательском составе. Кто должен был занять место учителей-иезуитов? Настойчивое желание правительства, особенно Бернардо Тануччи, заменить этих преподавателей — свидетельство попытки создания новой школы. Как указывает Джузеппе Галассо, можно сказать, что государство повсюду, где находились иезуитские школы, то есть по всему королевству отстраивало систему бесплатного общественного образования, без дискриминации, связанной с богатством. Система имела три ступени, не считая университетов. Первую ступень составляли «младшие школы», во всех городах и местностях, где имелись иезуитские училища: в Неаполе, Ноле, Соре, Кастелламмаре, Массе, Барлетте, Моллетте, Монополи, Бриндизи, Амантее, Паоле, Тропее, Монтелеоне, Реджо, Атри, Сульмоне, Мондогуно, Ачерно, Таранто, Кампобас- со и Латронико. В десяти городах — центрах провинций государство создало «старшие школы»: Неаполь, Капуя, Салерно, Бари, Лечче, Козенца, Катанадзаро, Кьети, Матера, Л'Аквила. Третья, высшая, ступень была учреждена только в Неаполе. Правительство утвердило программы для этих школ. На элементарном уровне учили чтению и письму, азбуке и латыни, а также катехизису. В старших школах преподавали катехизис, этику (по трактату Цицерона «Об обязанностях»), философию, математику, богословие, историю, греческий, латынь, чтение и письмо. На третьей ступени углублялись и систематизировались знания, полученные на второй. Черное духовенство было исключено из состава преподавателей. При старших школах были созданы интернаты для детей некоторых социальных слоев: военных или бедных дворян. В Сорренто открыли колледж для детей моряков, погибших в море, ставший школой морских наук. Как показывает Галассо, государство активно вмешивалось в систему образования, вложив в нее действительно все средства, конфискованные у иезуитов. Тануччи нес политическую ответственность за эти важные реформы, а вдохновителем-теоретиком был, конечно же, Антонио Дженовези. В Неаполе ходил слух, что Дженовези как раз и руководил государственной политикой в этой области. Прямо он этого не делал, но вдохновлял действия правительства и занимался реорганизацией третьей ступени образования (см гл. VII, раздел «Философия Просвещения в Неаполе»). Другой видный интеллектуал того времени, Фердинандо Галиани, издалека принимал участие в дискуссиях о школе, вызванных изгнанием иезуитов и реформами Тануччи. Его позиция — свидетельство благотворного совпадения активной политики правительства с движением философской мысли неаполитанских просветителей. И те и другие считали школу основой политического и гражданского общежития. Вот слова Галиани: «Образование — первейшая забота правительства, первая пружина, приводящая в движение все монархии, первая потребность. Юношество — наша надежда; в нем изображается обновление нации; в нем воплощается будущее; все у нас делается ради него; им — любовь и вся забота природы».

Сальца Л. Неаполь. От барокко к Просвещению / Лука Сальца. – М.: Вече, 2017, с. 280-283.

Стиль барокко


Барокко

Барокко (итал. barocco — «порочный», «склонный к излишествам», порт. perola barroca — дословно «жемчужина с пороком») — художественный и архитектурный стиль, направление в европейском искусстве XVII—XVIII веков, центром которого была Италия.

Стиль Барокко возник как противопоставление классицизму и рационализму. Главной идеей Барокко можно считать неприятие «естественности», которая становится синонимом дикости. Барокко было призвано облагораживать, приукрашивать. Именно во время Барокко в Версале появляется первый европейский парк, где все вычерчено как по линейке, деревья подстрижены в форме геометрических фигур. Барокко — это величие, пышность, совмещение реальности и иллюзии, контрастность, напряженность образов.

 

История возникновения барокко

Стиль барокко пришел на смену Высокому Возрождению (Ренесансу) именно в Италии, на родине Возрождения. В те времена Италия истощена, в ней хозяйничают иностранцы, однако именно она остается культурным центром Европы. Чтобы доказать всему миру право на привилегированное положение нужен стиль который будет подчеркивать мощь, богатство и роскошь в то же время денег на постройки дворцов не хватало. Тогда-то и появился новый стиль барокко, который допускал, чтобы иллюзию могущества и богатства создавали приемами живописи, а не натуральными дорогостоящими материалами.

Знаменитые архитектурные сооружения барокко:

Основные признаки барокко

Архитектуре барокко свойственны пространственный размах, слитность, текучесть сложных, обычно криволинейных форм. Часто встречаются развернутые масштабные колоннады, изобилие скульптуры на фасадах и в интерьерах, волюты, большое число раскреповок, лучковые фасады с раскреповкой в середине, рустованные колонны и пилястры. Купола приобретают сложные формы, часто они многоярусны, как у собора Св. Петра в Риме. Характерные детали барокко — атланты, кариатиды, маскароны. От маньеризма барокко унаследовало влечение к необычному, удивительному, поразительному.

Преобладающие и модные цвета

Пастельные тона; красный, розовый, белый, голубой с желтым акцентом. Сочетание контрастных цветов, богатые цветовые палитры (от изумрудного до бордо). Популярное сочетание — белый с золотом

Линии стиля барокко

Интересный выпукло-вогнутый асимметричный рисунок; в формах полуокружности, прямоугольника, овала; вертикальные линии колонн; выраженное горизонтальное членение. Общая симметрия

Форма

Куполообразные, сводчатые и прямоугольные; башни, балконы, эркеры

Характерные элементы барочного интерьера

Движение — стремление к величию и пышности; массивные парадные лестницы; колонны, пилястры, скульптуры, лепнина и роспись, резной орнамент; взаимосвязь элементов оформления

Конструкции барокко

Напряженные, контрастные, динамичные; вычурные по фасаду и вместе с тем массивные и устойчивые

Окна

Прямоугольные, полуциркульные; с растительным декором по периметру

Двери стиля барокко

Арочные проемы с колоннами; растительный декор

Архитекторы Барокко

Карло Мадерна (Carlo Maderno; 1556—1629 гг.) — один из основоположников итальянского Барокко, видный представитель Барокко в Италии. Главное творение — фасад римской церкви Санта-Сусанна (1603 г.).

Джованни Лоренцо Бернини (Giovanni Lorenzo Bernini; 1598—1680 гг.) — великий итальянский архитектор и скульптор, крупнейший представитель римского и всего итальянского барокко. Его творчество принято считать эталоном эстетики барокко. Самое известное произведение Бернини — Пьяцца Сан-Пьетро в Риме. В романе и фильме «Ангелы и демоны» Дэна Брауна герои разгадывают загадки, оставленные Бернини.

Франческо Бартоломео Растрелли (Francesco Bartolomeo Rastrelli; 1700—1771 гг.) — знаменитый русский архитектор итальянского происхождения, академик архитектуры. Две его наиболее известные работы: ансамбль Смольного монастыря и Зимний дворец с его знаменитой Иорданской лестницей. Известными киевскими проектами Растрелли являются Мариинский дворец и Андреевская церковь в Киеве. Сооружены по заказу императрицы Елизаветы Петровны под руководством И. Ф. Мичурина.

В Германии выдающимся памятником барокко является Новый дворец в Сан-Суси (авторы — И. Г. Бюринг, Х. Л. Мантер) и Летний дворец там же (Г. В. фон Кнобельсдорф).

Типы сооружений стиля Барокко

Для барокко характерны усложненность планов, пышность интерьеров с неожиданными пространственными и световыми эффектами, обилие кривых, пластично изгибающихся линий и поверхностей; ясности классических форм противопоставляется изощренность в формообразовании. В архитектуре широко используются живопись, скульптура, окрашенные поверхности стен.

Архитектурные формы барокко наследовали итальянскому ренессансу, но превзошли его по сложности, многообразию и живописности. Сильно раскрепованные фасады с профилированными карнизами, с колоссальными на несколько этажей колоннами, полуколоннами и пилястрами, роскошными скульптурными деталями, часто колеблющимися от выпуклого к вогнутому, придают самому сооружению движение и ритм. Ни одна деталь не является самостоятельной, как это было в период ренессанса. Все подчинено общему архитектурному замыслу, к которому относятся оформление и украшение интерьеров, а также садово-парковой и городской архитектурной среды.

Самые крупные и знаменитые ансамбли барокко в мире: Версаль (Франция), Петергоф (Россия), Аранхуэс (Испания), Цвингер (Германия), Шенбрунн (Австрия).

Барокко в интерьере

Для стиля барокко характерна показная, порой даже утрированная роскошь, хотя этот стиль сохраняет в себе такую важную черту классического стиля, как симметрия.

Роспись в интерьерах стиля барокко является одной из основных, необходимых доминант. Потолок, украшенный яркими богатыми фресками, стены из расписанного мрамора и позолота — частые приемы украшения интерьера в стиле барокко. В барочном интерьере часто используются контрастные цвета: например мраморный пол в стиле шахматной доски где черные и белые плиты чередуются в шахматном порядке. Применение золота и позолоты в интерьере повсеместно. Каждый уголок интерьера должен быть богато декорирован.

Мебель стала настоящим предметом искусства, ее вычурность и богатство, казалось, предназначалась лишь для украшения интерьера, и не носили утилитарного характера. Стулья, диваны и кресла обиты дорогой, богато окрашенной тканью, гобеленами. Кровати огромны, с балдахинами и струящимися вниз покрывалами. Шкафы также больших размеров, декорированные и инкрустированные. Зеркала украшены скульптурами и лепниной с растительным узором, часто позолоченные. В качестве материала для мебели часто использовали южный орех и цейлонское черное дерево.

Стиль барокко очень помпезен и не подойдет для небольших интерьеров, так как массивная мебель, богатый декор, яркие цвета росписей занимают много места и привлекают много внимания. Это дворцовый стиль поэтому он требует помещений с высокими потолками и большим метражом комнат.

Однако и в современном небольшом интерьере можно со вкусом использовать некоторые детали стиля барокко, чтобы воссоздать его дух. Так к примеру можно ввести в интерьер предметы барочного декора — вазы с растительными орнаментами, зеркало в богатой позолоченной раме с лепниной, рамы для картин такого же стиля, стулья или кресла в стиле барокко с резными спинками и гобеленовой обивкой. Часть стен можно украсить гобеленами или обоями имитирующими гобелен.

Освещение — лампы в роскошных цветных тканевых абажурах, позолоченные подсвечники.

Обилие струящихся тканей, затейливо задрапированных гардин — также характерные черты барочного интерьера.

Интересным дополнением к барочному интерьеру могут стать витражи и живопись.

В первой половине XVIII века стиль Барокко развился в стиль интерьеров — Рококо во Франции во время регентства Филиппа Орлеанского, наивысшее развитие Рококо получил в Баварии.

Заметки об эстетике БАРОККО - Любовь к жизни — LiveJournal

 
    В продолжение предыдущего поста, в котором шла речь о ментальных истоках барокко (если кому интересно, просто откройте мой блог), предлагаю вниманию всех, кто не чужд чувства прекрасного, небольшие заметки об ЭСТЕТИКЕ БАРОККО - художественного стиля, по-новому увидевшего и отразившего изменившуюся реальность мира.

    Жаргонное слово "barocco" (причудливый, странный, вычурный), которым португальские моряки обозначали бракованные жемчужины неправильной формы, в середине XVI века появилось и в разговорном итальянском языке, где стало синонимом всего грубого, фальшивого и неуклюжего.

    Возможно, излишняя вычурность произведений искусства произведений искусства, выполненных в этом стиле, была одной из причин разногласий, возникших между специалистами в оценке барокко.

    Одни видели в нем "стилевое направление" в европейском искусстве конца XVI - середины XVII в.
    Вторые объявляли искусство барокко "извращенностью", "незнанием правил", проявлением "дурного вкуса", противоречащим гармоничному и жизнеутверждающему искусству эпохи Возрождения.
    Третьи, напротив, отмечали грандиозность, пластичность, стремление к красоте и воспринимали его как логичное продолжение традиций Возрождения.

    В то же время были и общие, не вызывающие разногласий взгляды на эстетику барокко. Они касались основных задач искусства, понимания роли и места человека в окружающем его мире. Главная цель барокко - стремление удивить, вызвать изумление.

    Вот как об этом писал английский поэт Александр Поуп (1688 - 1744):

"Лишь там, где полускрыта красота,
Достигнута искусства полнота.
Цель мастера - контрастами играть,
Скрывать границы, взоры удивлять".

    Человек и всё многообразие действительности становятся предметом творческого осмысления в искусстве. В произведениях барокко человек выступает как личность со сложным миром чувств и переживаний, вовлеченная в сложный водоворот событий и страстей. Но человека, одержимого желанием выявить и понять главные законы развития жизни, уже не могла устроить лишь констатация её сложности и противоречивости. Вот почему в произведениях барокко, с одной стороны, переданы напряженность конфликтов, преодоление духа противоречий, раздвоенность и тревога, а с другой - стремление к возрождению гармонии в жизни.

    Главными темами искусства барокко становятся мучения и страдания человека, мистические аллегории, соотношение добра и зла, жизни и смерти, любви и ненависти, жажды наслаждений и расплаты за них, где реальность совмещается с причудливой фантазией.


    Для произведений барокко характерны синтез архитектуры, живописи и скульптуры, эмоциональный накал страстей, динамизм и "тревожность силуэтов", картинная зрелищность, преувеличенная пышность форм, контрасты масштабов, цвета, светы и тени, изобилие и нагромождение причудливых деталей, использование неожиданных метафор.

    Влияние барокко не могло не коснуться и музыки.

    Музыка барокко носит преимущественно светский характер, в ней в большей степени проявляются демократические тенденции эпохи; всевозможные украшения (мелизмы) делают её наиболее яркой и декоративной, что соответствует барочной эстетике. Неустойчивые диссонирующие созвучия, неожиданные переходы, контрасты и противопоставления, мелодии, томительно длящиеся во времени, быстрые, технически трудные, виртурзные пассажи в пении, одновременное звучание множества инструментов, использование танцевальных ритмов - всё это определяет суть барочной музыки.
    Ярче всего новый музыкальный стиль проявился в опере, ведущем жанре музыки барокко. Но на мой взгляд, более чем Антонио Вивальди, никто из музыкантов и композиторов не достиг такого уровня в барочной музыке.


Кстати, лучшим доказательством того, что эстетика барокко в музыке не закончилась XVIII веком, является творчество английской хард-рок группы "Deep Purple" (конец 60-х годов ХХ в. - настоящее время, хотя то, что было после 1986 года, это уже не совсем "Deep Purple").
    Если вдруг кто-нибудь из моих читателей не знает музыку этой группы, то просто посмотрите на оформление их ранних альбомов. Это, конечно же, не барокко, в отличие от музыки, которую они исполняют (исполняли), но я думаю, один лишь выбор тем для обложек дисков о многом говорит.
  
    Но наиболее явно стиль барокко проявился в архитектуре. Желание удивить, восхитить и даже ошеломить зрителя становилось едва ли не главной задачей архитекторов, работающих в этом стиле.

    Французский поэт XVII века Жорж де Скюдери (1601 - 1667) так описывал свои впечатления от архитектуры барокко:

"...Но перед красотой и зданья, и фасада
Померкли и фонтан, и мрамор, и ограда.
...В орнаменте витом увидишь тут и там
Победоносный шлем и вазы фимиам,
Колонны, капитель, пилястры и аркады
Увидишь ты, куда ни кинешь взгляды,
Амуры, вензеля, вплетенные тайком,
И головы ягнят, увитые шнурком,
И статую найдешь в великолепной нише,
В узорах и резьбе карниз под самой крышей".

    Впрочем, об особенностях барочной архитектуры, безусловно, должен быть отдельный разговор. Именно этой теме я и постараюсь посвятить свой следующий пост, который будет называться "Характерные черты барочной архитектуры".

    Так что, продолжение следует...

    Благодарю за внимание.
    Сергей Воробьев.

5. Английская школа.

Основа развития музыки Англии – народное творчество и связанная с ним композиторско-профессиональная деятельность.

Представители английской композиторской школы:

Данстейпл (1390 - 1453)– величайший полифонист I пол. XV века. Сыграл важную роль в становлении нидерландской полифонической школы.

Уильям Бёрд (1543 - 1623) – родоначальник английского мадригала и вёрджинальной музыки. Писал мессы, мотеты, антемы (вокально-инструментальные произведения на духовный сюжет на английском языке).

Джон Дауленд (1562 - 1626) – представитель вокальной лирики гомофонного стиля (для того времени новаторского).

Джон Буль (1562 - 1628) – композитор-вёрджиналист.

Гиббонс (1583 - 1625) – последний крупный английский мастер-полифонист.

Вёрджинал (англ. virginal) - род небольшого клавесина, распространённый в Англии и Нидерландах в 16-17 вв. У. Бёрд, Дж. Булл и др. - создатели вёрджинальной исполнительской школы. Вёрджинал был особенно популярен среди женщин-любительниц музыки (возможно, отсюда название: лат. virginis - женщина, девушка).

Английских вёрджиналистов объединяет:

  • обращение к народной мелодике, свободная её трактовка (в духе фантазии),

  • реалистичность музыкального содержания,

  • богатство вариационной техники,

  • использование приёма имитации.

6. Испанская школа.

Профессиональное музыкальное искусство Испании формировалось медленно и постепенно, и было тесно связано с народным творчеством. Одним из популярнейших народных жанров был романс.

Романс (испан. romance) - камерное вокальное произведение для голоса с инструментом. Термин "романс" возник в Испании и первоначально обозначал стихотворение на испанском ("романском") языке, рассчитанное на музыкальное исполнение.

Среди профессиональных жанров был широко распространён вильянсико (подобный итальянкой вилланелле) – песенный жанр на народной основе.

Романсы и вильянсико сопровождались игрой на виуэле (предшественница гитары), позже – гитаре. Было распространено и органное искусство. Крупнейшим органистом Испании был слепой от рождения Антонио де Кабесон (1510 - 1566).

Испания также знаменита своими темпераментными танцами – канто фламенко, фанданго (группа песен и танцев Южной Испании, а также стиль их исполнения). Хореография танцев представляет собой любовную пантомиму, сопровождающуюся пением под аккомпанемент гитары и кастаньет.

Вершиной католической музыки XVI века является творчество крупнейшего испанского композитора-полифониста Томасо Викториа, прозванного «испанским Палестриной».

Тем не менее, выдающееся мировое значение испанской музыкальной культуры определила в большей мере народная музыка, нежели профессиональная.

Глава IV. Музыкальная культура XVII – I половины XVIII века

§ 1. Общая характеристика эпохи. Основные стили и направления художественной культуры

XVII век – начало XVIII – это время резких контрастов и острых противоречий: апогей французского абсолютизма, ознаменовавшийся царствованием короля-солнца – Людовика XIV; английская буржуазная революция XVII века, вошедшая в историю как решительный прорыв к эре капитализма; Тридцатилетняя война (1618-1648), втянувшая в свою орбиту почти все европейские страны.

Оптимистический гуманизм эпохи Возрождения сменяется трагическим мироощущением, связанным с отражением в сознании людей обострившихся противоречий экономической, политической и общественной жизни, приведших в 17 века к началу буржуазных революций. Противоречия эпохи рельефнее всего проявились в стиле барокко.

Барокко (итал. - причудливый, вычурный, странный) - художественный стиль в европейском искусстве и литературе конца XVI -1-й половины XVIII века.

Существуют разные версии происхождения термина «барокко»:

  1. от португ. perola barocca - жемчужина неправильной формы;

  2. от лат. bаroco - обозначение одного из понятий схоластической логики;

  3. от имени итальянского художника Ф. Бароччи (1528-1612).

Искусство барокко противоречиво. Одна из сторон барокко апеллирует к внешности явлений и тяготеет к пышности, грандиозности, декоративности, асимметрии. Излюбленным художественным приёмом становится метафора, аллегория, эмблема.

Другая сторона барокко характеризуется интересом к внутреннему, а не внешнему, стремлением выразить неоднозначную сложность мира и отношения человека к действительности (в отличие от искусства Возрождения, где человек предстаёт в гармонии с окружающим миром). Поэтому искусству барокко свойственны драматизм и патетика, динамика и экспрессивные контрасты.

Представители искусства барокко

Рубенс (Фландрия)

Ван Дейк (Фландрия)

Веласкес (Испания)

Бернини (Италия)

Борромини (Италия)

Кальдерон (Испания)

Т. Тассо (Италия)

Монтеверди

Фрескобальди

Пёрселл

Корелли

Вивальди

Гендель

И.С. Бах.

С возникновением стиля барокко музыка впервые полно продемонстрировала свои возможности углублённого и многостороннего воплощения мира душевных переживаний человека.

Характерные черты музыкальной культуры барокко:

  • появление вокальных и музыкально-театральных жанров – оперы, оратории, кантаты, пассионов;

  • появление крупномасштабных циклических форм инструментальной музыки - concerto grosso, ансамблевой и сольной сонаты, сюиты;

  • появление инструментальных полифонических жанров – ричеркар, канцона, фантазия, токката, каприччио, фуга;

  • утверждение новых музыкально-композиционных средств: генерал-бас, мажорно-минорная тональная система, концертирование;

  • широкое распространение теории аффектов и музыкальной риторики и использование лежащих в их основе символов (например, в музыке И.С. Баха).

Согласно теории аффектов (от лат. аffectus – сильное душевное волнение, страсть), музыка выражает сильные человеческие чувства и управляет ими. Всего насчитывалось 27 аффектов (в т.ч. гнев, ужас, отчаяние). Считалось, что всё музыкальное произведение (или его крупная часть) может выражать лишь один аффект. Для теории аффектов характерна связь с музыкальной риторикой.

Музыкальная риторика – система музыкальных приёмов, опирающаяся на риторику – науку об ораторском искусстве. В её основе лежал раздел, в котором рассматриваются музыкально-риторические фигуры, за каждой из которых закреплялись устойчивые семантические значения для выражения какого-либо аффекта (аффективное воздействие имели также определённые лады, ритмоформулы, танцевальные движения, музыкальные формы). К середине XVIII века таких фигур насчитывалось около 80 (например, anabasis – восхождение, применялась в качестве символа воскресения Христа; catabasis - нисхождение, символ умирания, положения во гроб; символ креста или распятия в I теме фуги cis-moll из I тома ХТК Баха).

Наряду с барокко в XVII - XVIII в. сосуществовали стили классицизм (во многом противостоял Б., но нередко и тесно взаимодействовал с ним), маньеризм, галантный стиль (рококо), сентиментализм.

Рококо (франц. от rocaille - орнаментальный мотив, букв. - ракушка) - стиль в европейском искусстве 1-й пол. 18 века, получивший развитие прежде всего во Франции. Ярче всего рококо сказалось в изобразительном искусстве и декоративном оформлении дворцовых интерьеров (манерная вычурность и прихотливость линий в предметах обстановки, изощрённость, обилие орнаментальных рисунков в настенных росписях).

Рококо в музыке проявилось в творчестве французских клавесинистов (Л. К. Дакен, Ф. Куперен, Ж. Ф. Рамо и др.).

Для их творчества характерны:

  • камерность и миниатюрность форм,

  • господство хрупких, грациозно-кокетливых и игривых образов,

  • обилие изысканной мелизматики (украшений),

  • лёгкая и прозрачная фактура,

  • программность (простейший вид - картинная изобразительность: «Будильник», «Маленькие ветряные мельницы», «Жнецы», «Сборщицы винограда» Куперена; «Курица», «Тамбурин» Рамо; «Кукушка» Дакена).

0 0 vote
Article Rating

Подписаться
Уведомление о
guest
0 Комментарий
Inline Feedbacks
View all comments